“Não me interesso em como as pessoas se movem, mas o que as movem”

Pina Bausch

Ciranda da Bailarina

Procurando bem Todo mundo tem pereba Marca de bexiga ou vacina E tem piriri, tem lombriga, tem ameba Só a bailarina que não tem

E não tem coceira Berruga nem frieira Nem falta de maneira ela não tem Futucando bem Todo mundo tem piolho Ou tem cheiro de creolina Todo mundo tem um irmão meio zarolho Só a bailarina que não tem

Nem unha encardida Nem dente com comida Nem casca de ferida ela não tem Não livra ninguém Todo mundo tem remela Quando acorda às seis da matina Teve escarlatina ou tem febre amarela Só a bailarina que não tem Medo de subir, gente Medo de cair, gente Medo de vertigem Quem não tem Confessando bem Todo mundo faz pecado Logo assim que a missa termina Todo mundo tem um primeiro namorado Só a bailarina que não tem

Sujo atrás da orelha Bigode de groselha Calcinha um pouco velha Ela não tem O padre também Pode até ficar vermelho Se o vento levanta a batina Reparando bem, todo mundo tem pentelho Só a bailarina que não tem

Sala sem mobília Goteira na vasilha Problema na família Quem não tem Procurando bem Todo mundo tem

Saiba mais sobre essa mulher GENIAL

(da Folha de São Paulo)

A grande dama da dança-teatro, a alemã Pina Bausch, morreu ontem pela manhã, aos 68 anos, na cidade de Wuppertal, onde dirigia sua companhia, o Tanztheater Wuppertal. A morte da coreógrafa foi divulgada em nota do próprio grupo, segundo a qual, na semana passada, Bausch teria sido diagnosticada com câncer. Ela subiu ao palco pela última vez há dez dias, no dia 21, como sempre para agradecer os aplausos com sua companhia.Com personalidade forte, Bausch seguia todas as apresentações do grupo e controlava todas suas ações. Dessa maneira, fica difícil saber o futuro do Tanztheater Wuppertal, mesmo se continua agendada a vinda do grupo a São Paulo, em setembro, com o programa histórico “Café Müller” (1978), peça que sempre teve a presença de Bausch, e “A Sagração de Primavera” (1975).”Pina Bausch é a mãe da dança contemporânea”, disse certa vez o coreógrafo Alain Platel, diretor do grupo belga Les Ballets C. de la B.. De fato, no século 20, poucos coreógrafos foram tão influentes como como Pina Bausch.

Enquanto a dança norte-americana, com nomes como Trisha Brown e Lucinda Childs, seguiam uma linha formalista, com a qual Bausch também teve certa identidade, já que estudou nos Estados Unidos, entre 1958 e 1962, ela pode ser caracterizada como uma coreógrafa com marca profundamente humanista: “Não me interesso em como as pessoas se movem, mas o que as movem” é uma de suas mais representativas falas.

Com isso, Bausch ampliou as fronteiras da dança de forma tão radical que tudo passou a ser permitido: dançar deixou de ser uma técnica para que qualquer movimento fosse admitido como dança.

Para criar suas peças, a partir de 1973, quando foi contratada pelo Teatro de Ópera de Wuppertal e de onde nunca mais saiu, Bausch levou seus bailarinos a situações de risco.

Em geral, treinados no balé clássico, para socorro imediato, especialmente após quatro horas de espetáculo sobre água. Nos primeiros anos, muitos bailarinos se recusaram a trabalhar com Bausch. Nos últimos anos, suas audições eram frequentadas por centenas de candidatos.

Com o público não foi diferente, em suas primeiras peças, as pessoas saiam do teatro batendo as portas em sinal de fúria. Atualmente, ingressos para a companhia de Bausch se esgotam rapidamente, em qualquer lugar do mundo. Para Bausch, o palco não deveria ser um lugar protegido, mas tão difícil como a própria vida. Além do mais, o próprio limite entre palco e plateia sempre foi questionado em seus espetáculos. Em todos eles, seus bailarinos interagem com o público, servem café ou vinho, os abraçam, mostram fotos.

Ao contrário da dança clássica, eles não incorporam papéis definidos, eles sempre se chama Düsseldorf, a poucos quilômetros de Wuppertal. A dança-teatro de Bausch, aliás, sempre teve um caráter performático: no palco, os bailarinos comem cebolas inteiras, escalam altos muros, penduram-se em cordas, escorregam na água. Difícil um espetáculo de dança contemporânea que não tenha alguma marca do Tanztheater Wuppertal.

As temáticas de suas primeiras peças, especialmente nos anos 1970 e 1980, costumam ser vistas como muito intensas e deprimentes, enquanto sua fase mais recente tem sido vista como mais superficial e alegre. Bausch justificava essa mudança de forma muito direta: “A questão é do que precisamos hoje. Estamos num momento terrível, tenebroso, sério e assustador. Então, procuro dar um pouco de balanço, compensação para tudo isso.

Não ouço mais o pulsar da pa- la- vra quando falada

Ela está Mal Dita

e a palavra não é mais lida

é mastigada a exaustão

 em liquidificadores, processadores, batedeiras supersônicas

Vomitadores de eletrônicos eletrodos bimotores

Os meus sentidos estão de sentinela

e olham pela janela

do meu olho postiço...

estarrecido ...

  embrutecido

com o sumiço da poesia concreta

de palavrões:

mjgswdhgibkjbjbkCbnMMnMbmz smxjdh xmxmx xxjx jcbbjhcbxznbcxzbkcxzb. xjhxnxnjxhhcdkkkkkvcnxz  zjhhnacmjkvc xcxjjsmdmmmzcxx jjjdssssssxc dxshmnm dx 11111 cnjhshjsmnbbvgzstdsmnfdghykjgf!!!!!!!!!!!!!!

Surge um sol de mentiras

pronunciadas por um Pinóquio, qualquer

que busca a sua parte humana em algum lixo radioativo,

é mendigo de carinho

só um sorriso bastaria

nem era  preciso olhar diretamente na sua cara de pau

Finja apenas que esta olhando para alguma parede...

Agora falando francamente!

Mudando de gato para ganso

De bode para camelo

De girafa para elefante

De formiga para gafanhoto

De gripe para emoroidas

De terremotos para arrastões

De fimose para o aumento de pênis pequeno

A rede não é mais de peixe

 A rede agora é globalizada

interativa

interplanetária

cheia de sites, mega bites,

e-mails, links, dígitos secretos, subalternos

Conteúdos de chips de algum computador japonês.

A minha opinião mais concreta e sincera

É fazer sexo pela tela

Lambuza seu mouse de excrementos

de gozozas ejaculações metafísicas

Enfia a língua na sua tecla sap

e veja o mundo falar inglês

só para se sentir existir

só para se sentir estar vivo

só para se sentir... muuuuuuuuuuderno

Fume maconha budista

Judaica

Anglo saxonica

Católica apostólica romana

Faça uma viagem as arábias

E  chute a barraca do Bin Laden

Faça  o cretino-herói se sentir no World da Casa Branca

Pinte ela de vermelho comunista : Cubana ou Chinesa

Chute a bunda branca do Bush

E faça um boquete com a Mônica Levinsk

A vida sexual do Clinton era uma merda

Só assim a Hilary começou a trepar gostoso

Tudo isso saiu no The New York Times

Imite o Ney Matogrosso

E mostre o que é ser seco e molhado

use e abuse do rebolado e vá pular no carnaval dos bichos

 Vou sair fora do ar

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xxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxx - tanto X só pra DIZER QUE ESSE

É O VERDADEIRO X DA QUESTÃO.

Quando instado a explicar o sentido de seus filmes, Andrei Tarkovski (1932-1986) respondia com a seguinte metáfora: "Você olha um relógio. Ele funciona, mostra as horas. Você tenta compreender como ele funciona e o desmonta. Ele não anda mais. E no entanto essa é a única maneira de compreender..."

Tarkovski passou a vida montando e desmontando "relógios" na tentativa de compreender o funcionamento da vida e do espírito dos homens. Nascido em Moscou, filho do célebre poeta Arseni Tarkovski, Andrei estudou música, pintura e a língua árabe na infância e juventude. Trabalhou em prospecção geológica na Sibéria e só aos 24 anos começou a se interessar por cinema. Aprendeu o novo ofício com Mikhail Romm (Lenin em Outubro) na Escola de Cinema de Moscou, onde realizou o curta Hoje Não Haverá Saída Livre (1959) e o média de conclusão do curso, O Trator e o Violino (1960).

Com o épico introspectivo A Infância de Ivan (1962), Tarkovski fomentou a nouvelle vague soviética dos anos 60. Diante daquela história de guerra vista pelo menino como o inferno na terra, Jean-Paul Sartre a defendeu como peça de "surrealismo socialista". Em seguida veio Andrei Rublev (1966), para muitos sua obra-prima. A biografia poética do pintor de ícones medieval enfatizava a visão do artista não como uma elite, mas como um operário, um artesão gerado pela energia criativa do povo.

A esta altura, Tarkovski já vivia uma situação contraditória na indústria estatal do cinema. Os estúdios Mosfilm concediam-lhe vastos recursos de produção para depois dificultar ao máximo a circulação de seus filmes. Andrei Rublev ficou proibido durante cinco anos por "falta de rigor histórico". A burocracia o acusava de misticismo, violência e irrealismo. A crítica e os festivais internacionais, no entanto, o cultuavam como a um novo Dostoievski. Solaris (1972), cruzamento de ficção científica com ensaio filosófico, consolidou sua reputação dialogando com o 2001 de Kubrick e sugerindo que cada um de nós é responsável por assumir seu passado perante a coletividade.

Era tempo de Tarkovski voltar-se para o seu próprio passado e o de sua mãe em O Espelho (1974), uma complexa odisséia da memória. Em 1979, ao realizar o sublime Stalker, o cineasta confirmava-se independente dentro do mastodôntico cinema soviético: nem um dissidente padrão, nem um servil cumpridor de cânones.

Nostalgia (1983) e O Sacrifício (1986) serão obras do exílio. No mesmo ano em que as autoridades o impedem de ir à França apresentar Stalker, permitem-no viajar à Itália para filmar Nostalgia, canto de amor à pátria escrito com Tonino Guerra. A busca de locações renderia o semidocumentário Tempo de Viagem. As filmagens suecas de O Sacrifício, já marcadas pelo sofrimento do diretor com o câncer que lhe mataria logo depois, foram registradas no belíssimo documentário Dirigido por Tarkovski, de Michal Leszczylowski.

Nove filmes em 26 anos de carreira parecem pouco aos olhos da estatística. Mas a escala grandiosa da obra de Andrei Tarkovski não se mede por números. Em Esculpir o Tempo, seu livro de reflexões sobre arte e cinema, obra essencial a todos os amantes da sétima arte, ele comparou o trabalho do diretor ao de um escultor que, "guiado pela visão interior de sua futura obra, elimina tudo o que não faz parte dela". O seu cinema tem essa qualidade essencial das obras perfeitas: o que não está ali é excesso.

  Filmografia

• Ubiytsy (1956)
• Hoje não haverá saída livre (1959)
• O Rolo Compressor e o Violinista (1960)
• A Infância de Ivan (1962)
• Andrei Rublev (1966)
• Solyaris (1972)
• O Espelho (1974)
• Stalker (1979)
• Nostalgia (1983)
• Tempo de Viagem (Documentário para a RAI) (1983)
• O Sacrifício (1986)

Octavio Paz nasceu e morreu na Cidade do México (1914 - 1998). Foi encorajado por Pablo Neruda para se dedicar à poesia. Foi escritor, poeta, diplomata e jornalista.

Essa colcha virou cenário, ilustrou minha desilusão, ilustrou minha paixão, iludiu minha platéia... alguns criticos gostaram dela, outros conhecedores cênicos a achavam exagerada... mal sabia eles... que no palco estava meu peito rasgado e costurado.  8 metros de mim.

 de Valter Vanir Coelho

ator, diretor,  dramaturgo , poeta ... um criador de beleza. Sou seu fã.