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ENfin du nouveau en matière de presse ciné : VERSUS débarque en kiosques le 15 novembre

2008-11-11T15:47:25+01:00

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Une nouvelle revue ciné débarque en kiosques le 15 novembre. Elle se nomme VERSUS et possède la qualité pour s'imposer comme prioritaire parmi vos lectures trimestrielles!

VERSUS débarque donc dans tous les bons points de vente après 6 ans d'existence et 13 numéros diffusés dans un circuit très restreint, budget limité (fonds propres) oblige. Acquérant au fil de son existence précaire (le titre failli disparaître au bout de 2 ans et 4 numéros) une reconnaissance certes limitée mais sincère des milieux professionnel, universitaire et cinéphile. Un ton singulier hérité de la grande période de Mad Movies (soit avant l'éviction de Rafik Djoumi en 2003) et de Starfix première mouture (les Gans, Boukhrief, Headline, Lemaire...) et une (re)lecture qui mixe avec jubilation cinéma et société, esthétique et politique, critique d'art et appréciation sincère du divertissement

VERSUS est un contrepoint de vue salutaire sur le cinéma à l'heure où la plupart des magazines se contentent d'une critique au mieux superficielle au pire complaisante, de couvertures sanglantes et laides ou remplis de photos glamour de vos staaarrrrs préférées.

La force de VERSUS: des critiques, analyses, dossiers, rétrospectives, etc très bien argumentés même si tout ne fera pas l'unanimité.

Outre la version papier, la revue possède un site (http://www.versusmag.fr) qui est un parfait complément puisque l'on y trouve, entre autres, des critiques inédites, une tribune libre et surtout une rubrique vouée à devenir culte, les «films honteux» où les rédacteurs défendent âprement mais avec humour et arguments des films mal aimés ou considérés comme des navets (Jason X, Commando, Running Man, Beethoven...).

En 13 numéros, Carpenter, McTiernan, De Palma, Raimi, Gaspard Noé, Eastwood, Cronenberg, Fincher, Spielberg, Paul W. Anderson, Lumet, Cimino, Dupontel, Frank Miller, Bill Plympton, etc... tous sont passés au crible.

Et ça continue avec le 14ème numéro:

Au sommaire:

« Les films de Présidents » : l'image du président des Etats-Unis et la représentation de la nation U.S. dans le cinéma hollywoodien, de Naissance d'une nation de D.W. Griffith à W. d'Oliver Stone, en passant par Young M. Lincoln, Nixon et Président d'un jour. Un dossier complet avec le thème des complots présidentiels, l'appareil d'État, l'assassinat des Présidents.... Mais aussi : - le nouvel esprit Bond : Quantum of Solace et toutes les bandes originales de la saga. - l'école au cinéma, du regard sociologique et pédagogique de Entre les murs à l'action pure des Substitute. - la rétrospective du Festival du Cinéma Americain de Deauville 2008. - une analyse carrière James Gray. - un parallèle analytique entre Mirrors et The Broken. - une rétrospective sur Dossier Secret (M. Arkadin) d'Orson Welles. - l'actualité DVD de novembre / décembre. - un portrait de Samuel L. Jackson.

VERSUS N°14: trimestriel, 60 pages, 4 euros et en vente partout dès le 15 novembre. Si votre libraire ne l'a pas, réclamez le! Ultime surprise à découvrir en kiosques, chaque numéro bénéficie de superbes couvertures au recto et au verso!

Parlez moi de la pluie : à défaut d'autre chose....

2008-09-28T21:27:03+02:00

On a un peu tendance a l'oublier mais avant d'etre de farouches revendicateurs et militants lors des ceremonies des cesar (avant, apres, on sait pas trop), Agnes Jaoui et Jean-Pierre Bacri sont des artistes. Qui s'expriment autant au theatre qu'au cinema. Les voila de retour apres leur derniere collaboration, Comme une image, avec Parlez moi de la pluie au sujet prometteur. Agathe Villanova, feministe nouvellement engagee en politique, revient pour dix jours dans la maison de son enfance, dans le sud de la France, aider sa soeur Florence a ranger les affaires de leur mere, decedee il y a un an. Agathe n'aime pas cette region, elle en est partie des qu'elle a pu. Mais les imperatifs de la parite l'ont parachutee ici a l'occasion des prochaines echeances electorales. Karim, et son ami Michel Ronsard entreprennent de tourner un documentaire sur Agathe Villanova, dans le cadre d'une collection sur "les femmes qui ont reussi".

Seulement voila, alors que l'on attendait un film qui parviendrait a synthetiser leur vision artistique et politique, on se retrouve avec une oeuvre qui ne fait que l'effleurer. Si nous sommes loin du compte, il n'en demeure pas moins que dans ses ambition revues a la baisse, le film du couple a la vie comme a l'ecran est une reussite.

Comme chaque film scenarise et/ou realise par le couple Jaoui/Bacri, Parlez moi de la pluie est extremement bien ecrit, les dialogues merveilleusement interpretes et les acteurs au diapason les uns des autres. Meme si le film s'attache plus particulierement au parcours de trois personnages principaux Jaoui/Bacri/Jamel, tous ont leur importance et contribuent a l'ambiance melancolique du film.

Comme toujours Jaoui s'attache au caractere intimiste de son histoire ce qui se traduit comme d'habitude par des cadres resserres (etriques Des personnages avant tout attaches et soumis aux contingences professionnelles et techniques (un documentaire sur Agathe Villanova, femme politique) et qui en oublient d'apprecier le reste.

Les quelques moments hors les murs ne peuvent cependant nous faire oublier que nous sommes en presence de theatre filme. Une succession de saynetes et de petits plans sequences soulignant le manque d'ampleur qui semble etre le seul horizon formel d'Agnes Jaoui et de beaucoup trop d'oeuvres franais incapable de transcender son sujet par sa seule mise en scene.

Malgre tout, le plaisir reste entier dans cette comedie loin d'etre legere, Jaoui prenant le risque de n'offrir aucune resolution definitive a ses personnages, comme dans la vie en general. Elle ose meme laisser en plan le personnage de Florence, soeur de la politicienne, dont le refus de reprendre sa vie en main s'avere redhibitoire. Incapable de quitter son mari, elle perdra son amant, qu'elle dit aimer pourtant, et finira sous la pluie dans les bras de la gouvernante d'origine algerienne, Mimouna. Une presque derniere image particulierement forte puisqu'en retournant pres de son mari, c'est Florence qui apparait la plus soumise quand, dans le meme temps, Mimouna aura eu le courage de demander le divorce.

Cependant, le personnage de Mimouna sera pour le moins delaisse, du moins a peine exploite. Un traitement qui marque les limites du cinema du duo Jaoui/Bacri. De fait, Jaoui oublie quelque peu cette immigrante algerienne debarquee au moment de l'independance a l'age de14 ans dans les bagages de la bourgeoise famille Villanova et depuis lors a son service. La realisatrice jouant de l'omission pour illustrer une integration de faade. Si elle est bien traitee par les deux soeurs, il n'en demeure pas moins qu'elle vit recluse dans une bicoque mitoyenne, parmi eux mais a l'ecart. Mais on ne fera que le deviner, puisque aucune image ne nous montrera cette localisation spatiale. A l'instar de son personnage, son histoire demeurera a l'arriere plan, ne servant qu'a donner une contenance, une certaine epaisseur aux autres protagonistes gravitant autour d'elle.

Mais ce qui aurait pu passer ailleurs devient ici problematique puisque n'oublions pas que le personnage central est Agathe Villanova, une militante feministe desormais politicienne. Une dimension politique bien trop vite evacuee que ce soit dans le recit, les dialogues ou les images. Une sequence est d'ailleurs emblematique de ce renoncement, de cette tentative avortee de lier la fonction a l'action. Elle intervient lors du visionnage par Michel et Agathe du premier montage des rushes par Karim. En fait, Michel tombe par hasard (il a perdu une fois de plus ses lunettes) sur un montage parallele de son ami ou des images de video super 8 sont montees en parallele avec des images tournees par les deux equipiers et montrant Agathe toujours aussi directive et dominatrice. Le montage devient meme hilarant puisque parasite par des images d'une obscure serie B ou une femme en cuir fait claquer son fouet. Mais le montage ne se resume pas seulement a reveler la nature profonde de Agathe, il acquiert une dimension revendicatrice lorsqu'a ces images succedent celles de sa mere, au debut de son arrivee en France et maintenant, toujours au service de la famille a des generations d'ecart, montage parallele parasite lui par des images d'archives de la vie en Algerie pendant la guerre. Une sequence coup de poing qui malheureusement au lieu de refonder le recit sera a peine evoque plus tard au detour d'un echange entre Karim et Agathe. Pire, il ne sera fait reference qu'aux images ayant trait a Agathe.

S'il ne parle pas de politique, alors quel est le veritable sujet du film? Parlez moi de la pluie, est un film egocentre sur les souffrances, les felures psychiques de ses 3 personnages principaux. Agathe/Michel/Karim beneficiant chacun a leur tour d'une sequence les voyant s'eloigner seul du lieu d'action, montrant la place centrale qu'ils occuperont dans le recit en meme temps que leur isolement. Pratiquement la seule idee de mise en scene de tout le film. Mais plus que l'humiliation ordinaire dont serait victime nos protagonistes, et dont le dossier de presse se repend, c'est bien de l'absence de sollicitude dont il est ici question. Un mot qui echappe litteralement a Agathe pour les besoins de mots-croises.

Parlez moi de la pluie est un film touchant, tres drole, au plus pres de ses personnages dont on devine le passe traumatisant sans que celui-ci ne s'impose outrageusement.

Agnes Jaoui reste donc dans un registre connu et qu'elle maitrise parfaitement, rien a redire. Mais quel dommage que ses velleites d'ouvrir et de donner une profondeur a son intrigue se soient contentees d'illustrer ce que sont bien souvent les discours politiques, de simples effets d'annonce.

REC : Rendez-vous avec la peur

2008-09-01T23:28:58+02:00

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Experience viscerale et ludique, REC n'est pourtant pas comme annonce parfois le film d'horreur ultime. Un sentiment de deception plane meme tant l'attente, generee par un marketing viral ultra efficace, aura ete enorme. Ceci dit, pas question d'amoindrir l'impact emotionnel de ce chef d'oeuvre incontestable qui cree differents niveaux de peur par sa seule mise en scene. Un postulat qui ne semble pas evident vu le traitement formel de l'image voulant donner l'impression d'un reportage non maitrise.

Tandis que le cinoche de genre bien de chez nous tarde a se renouveler et/ou accoucher d'oeuvres incontournables (en attendant Martyrs peut etre?), le cinema espagnol n'en finit plus de se poser comme le bastion le plus creatif, iconoclaste et surtout transgressif.

A l'inverse d'un cine made in Britain plus porte sur une hybridation horreur/humour parfaitement recommandable et maitrisee (Isolation, Evil Aliens mais surtout Severance et Shaun of the dead) seuls The Descent et Creep se rapprochent du traitement jusqu'au boutiste et sans concession opere par Amenabar, Plaza et Jaume Balaguero. Ces deux derniers s'associant pour tourner ce qui reste a ce jour la plus terrifiante et palpable experience de la peur sur grand ecran. Nul doute que la vision de ce petit bijou de l'horreur verra ses effets amoindris lors d'une vision dans son salon douillet. Encore que la technologie du home-cinema associee a celle de la HD offrent de sacrees possibilites. Mais pour une vision plus analytique de l'oeuvre, votre tele est plus que recommandee tant voir REC au cinema n'incite pas a la reflexion. On se prend le film en pleine figure, une immersion totale qui s'apparente a un sur des montagnes russes. Oui, comme la promo accompagnant sa sortie l'aura clamee, vous aurez peur. Tres peur meme suivant votre degre d'accoutumance au genre.

Les sensations etant d'autant plus decuplees qu'elles sont partagees avec les spectateurs avoisinants. Une contamination abstraite rendue possible par la promiscuite d'une salle obscure, lieu de recueillement collectif par excellence.

Fausse bande realiste mais vraie mise en scene

De contamination, il en est question dans la realite diegetique, puisqu'un immeuble du centre-ville barcelonais va devenir le theatre d'un drame horrifique a cause d'un virus infectant peu a peu toutes les personnes y residant. Un lieu tres vite isole et confine par les autorites sanitaires et la police afin, sinon d'eradiquer le virus du moins empecher sa propagation. Cette mise en quarantaine etant filmee par une journaliste tele et son cameraman venus au depart faire un reportage sur les conditions de travail nocturne d'une caserne de pompiers. Et voila tout ce petit monde piege a l'interieur.

Les premieres decisions consistent donc a tenter de sortir par une fenetre ou une porte derobee. Des actions contrariees par la determination des forces de l'ordre au visage indefini. Nous n'en verrons que des ombres, des casques sombres ou des figures rendues floues par les baches recouvrant chaque sortie. Soit tout l'arsenal pour donner a cette menace desincarnee un caractere fantasmatique.

Du registre du reportage live ou il faut combler les sequences d'inaction (aperu du standard, des couloirs menant au dortoir, du refectoire) on passe des lors dans le registre du film de siege. Sauf que desormais, l'enjeu n'est plus d'empecher l'Autre d'entrer mais bien de sortir. Rapidement, les prisonniers vont donc etre confrontes a l'origine de l'appel des pompiers, soit une vieillarde vivant recluse dans son appartement. Et ce que l'on prenait pour de la crasse maculant sa chemise de nuit se revele etre en fait du sang seche. Mais pas le sien. La zombie se jetant bientot sur la premiere personne venue lui porter assistance.

Toute l'intelligence du duo Balaguero/Plaza est la. Avoir donner un visage a la menace interne quand les forces de police basees a l'exterieur se bornent a des formes, des voix ou des sons (pales d'helicopteres, megaphone) renforce la sensation d'enfermement. De plus, en delimitant la zone a risque par des baches opaques, les realisateurs figurent l'espace securisant par excellence: la salle de cinema. En quelques sequences, ils enoncent clairement que les survivants ne pourront rien attendre des spectateurs du drame a venir, qu'ils soient derriere la bache ou/donc devant l'ecran.

Nous renvoyant ainsi a notre condition de simple spectateur. Un peu a la maniere de ce qu'experimente Kojima avec sa serie video-ludique des Metal Gear Solid. Et ce n'est pas le seul point commun que le film entretient avec les jeux videos, nous y reviendrons.

Et lorsque un , ici un scientifique, penetre dans la fiction, c'est pour finir deux bobines plus tard transforme en zombie! Le procede de personnification est a cet egard remarquable puisque le scientifique n'est au depart represente que par sa combinaison sanitaire et son masque. Son arrivee theatralisee au maximum (un pan du se leve, plans de ses pieds, de la mallette qu'il tient...) renforce donc la tension deja presente. L'espoir renait en meme temps que son visage se decouvre, soit au moment de son incarnation veritable. Ou comment susciter deux emotions contradictoires en une courte sequence.

Maintenant que les zones sont delimitees, l'action se focalisera dorenavant sur les protagonistes aux prises avec des zombies. Apres avoir joue la distanciation, le film nous immerge completement dans la fiction. Passe le premier choc du confinement, place au deuxieme choc, celui de la confrontation. Mais avant que tout ne s'emballe, les realisateurs prennent le temps de faire monter la pression au travers des interrogations suscitees par les premiers evenements. Un climat deletere qui engendrera suspicion ainsi que la mise au jour de relents xenophobes. Avant l'Autre, l'ennemi c'est d'abord soi-meme.

The barcelona fear project

Le but avoue des deux compadre est de foutre une petoche de tous les diables avec peu de moyen. Et pour y parvenir, rien de mieux qu'une camera de television embarquee, une vision subjective et des acteurs a la limite de l'improvisation en roue libre. En somme, inscrire le film dans une hyper-realite rendue tangible par ce procede de docu-fiction, avec le Projet Blair witch dans le retroviseur. Mais si ce dernier crea son petit effet en 1999, et bien que beneficiant d'une reelle mise en scene malgre ce que peuvent penser ses detracteurs, le film qui lana le genre est bien evidemment l'immense Cannibal Holocaust (1978) de Ruggero Deodato. Au-dela de scenes gores devenues cultes (la femme empalee) ou choquantes (les reelles tueries d'animaux), ce film est le premier a questionner la place du spectateur face a des images censees etre reelles (le film est l'histoire du montage des rushes d'un reportage retrouves dans la jungle). Comment les apprehender, interroger leur necessite (les censurer ou pas). Un veritable travail de demystification d'images apparemment authentiques par le biais d'un film de pure fiction. Une analyse qui n'est possible qu'avec du recul, car aussi bien Cannibal Holocaust que REC parviennent a obliterer toute reflexion par leur pouvoir immersif. Autrement dit, ces films stimulent avant tout notre cerveau reptilien, un retour a des emotions primitives.

Outre les effets de reel imprimes au film images saccadees, prises de son aleatoires, absence de musique REC parvient a constamment justifier ses partis pris esthetiques. Si la journaliste intime au cameraman de continuer a filmer malgre tout, c'est pour laisser une preuve de leur retention par les autorites et pour temoigner du drame qui se deroule. L'inverse du grandiose et pourtant mesestime Cloverfield a qui l'on reproche, entre autres, de constamment capter des images sans que rien ne justifie de le faire. Un film pourtant aussi experimental et maitrise que REC. Fin de la parenthese.

Et afin de renforcer le sentiment d'urgence et la desorientation Balaguero et Plaza utilisent toutes les possibilites techniques offertes pour soumettre la narration. Plans sequences a la camera portee, ellipses causees par l'interruption du tournage, utilisation du projecteur integre, de la vision infrarouge ou encore le travail sur la bande-son avec defaillance du micro, tout est fait pour nous empecher de sortir de ce cauchemar eveille. Divers registres d'images qui, tout en permettant de se reapproprier les images type Dailymotion ou You Tube ayant proliferees dans l'ombre du cinema, accentuent les effets de cette presque palpable.

Retour motel

Et question impression de realite, le rembobinage effectue en plein milieu de la fiction afin de revoir la mort de la vieille zombie se pose la. Une scene aussi brillante que malheureusement non exploitee par la suite mais qui s'avere interessante a plus d'un titre.

D'une logique implacable - la presentatrice veut etre sure que la scene est bien en boite - cette sequence est parfaitement representative de l'importance accordee a l'image dans nos societes contemporaines. L'evenement, la de la zombie, ne pourra etre considere comme reel ou ayant effectivement eu lieu qu'a partir du moment ou l'on (la journaliste) pourra re-voir jouer la scene. La ou REC impose cette reflexion par la puissance de ses images, le Diary of the dead de Romero se contente de l'exprimer par la voix de ses personnages.

D'autre part, cette seule scene releve d'une interessante mise en abyme du cinema lui-meme (plus generalement de la fiction), seul habilite a faire se re-lever les morts.

Enfin, ce rewind a un enorme impact emotionnel puisque l'ellipse, ou plus prosaiquement le trou, ainsi creee dans la matiere filmique meme, augmente de maniere incroyable le degre de tension. Que se passe t'-il le temps que les deux personnages revoient la scene? A quoi s'attendre une fois que le temps de la fiction aura repris son cours? Et meme si au final la situation reste en l'etat, cette seule sequence aura enterinee et validee la maitrise formelle et narrative des deux amigos.

Tout montrer, c'est moins voir

La beance creee par ce rembobinage reaffirme de maniere plutot explicite l'importance du hors-champ pour susciter la peur. Chose que de trop nombreux films ont oublie, preferant la monstration a la suggestion, enrichissant, parfois jusqu'a la nausee, la narration de plans toujours plus nombreux. Les jump-cuts et autres montages epileptiques obeissant a la simpl(iste)e motivation de tout montrer. Un trop plein qui parasite l'emergence de la moindre emotion ou reflexion.

On l'a vu des l'entree dans l'immeuble, la volonte des realisateurs est de creer un hors-champ a la fois tangible (les baches opaques recouvrant les moindres issues) comme purement artificiel (le rewind). Pour finalement les amalgamer de maniere ultra efficace des lors que les infectes commencent a attaquer. En effet, les couloirs etroits (impossible de se tenir cote a cote) figures par les bords du cadre delimitent le champ d'action. Et ce sont de ses limites diegetiques que surgiront dans le champ les zombies. Sursauts assures.

Ce surgissement est l'apanage depuis des annees des jeux videos horrifiques type Silent Hill mais surtout Resident Evil. REC n'etant rien moins qu'une adaptation non avouee du hit de capcom. Et quelle adaptation! A mille lieues de celle sans saveurs et aseptisee de Paul Anderson. a egorge, a gicle parfois, bref a vit.

Aux divers repertoires d'images deja mis en scene (images cine, camera video, infra-rouge) s'ajoute donc des visuels que l'on croirait sortis des cinematiques composant le jeu.

S'il ne fallait retenir qu'un plan du film, se serait sans doute celui nous montrant par une vue en plongee du dernier etage, la cage d'escalier et d'ou emergent de chaque bord de l'ecran, donc de chaque palier ou niveau, les tetes zombifiees des personnages rencontres precedemment.

Importance du non-vu donc pour creer l'effroi, mais on peut y adjoindre egalement l'importance du non-entendu. La sequence dans la remise ou les problemes de sons empechent le cameraman de comprendre ce qu'il est en train de voir/filmer permet de redonner toute son importance a la bande-son dans la comprehension des images.

Pixelisation

En plus de questionner la place du consommateur face aux images qu'il ingurgite, le film se double d'une mise en abyme reflexive sur le jeu auquel Balaguero et Plaza soumettent les spectateurs/joueurs. D'ordinaire, les adaptations de jeux videos sont ennuyeuses par manque d'implication emotionnelle. Autrement dit, on assiste generalement a une partie jouee par quelqu'un d'autre. Or, cette fois-ci et pour la premiere fois le est au coeur de l'action, ce que les plans en vue subjective illustrent et figurent a merveille (la camera est le regard du spectateur). Pour autant, nous n'avons aucun controle sur la partie que nous . Le film est un simulacre presque parfait de libre-arbitre puisque au final, nous en sommes reduits a interpreter des personnages controles par les deux realisateurs. Deux sequences demontrent a elles seules l'etendue de ces nouveaux enjeux. Cernes de toute part, les quatre derniers survivants tentent de se refugier dans un appartement inoccupe du dernier etage. Mais pour y acceder, ils ont besoin du passe du president du syndic. Probleme, ou habite t'il? Une seule solution, redescendre deux etages, regarder sur les boites aux lettres du rez de chaussee, puis remonter. Le tout au milieu de zombies arrivant de toute part. Sequence a la tension maximale ou les personnages comme les spectateurs sont litteralement balades d'un coin a l'autre de l'ecran. Deuxieme temps, la scene ou la journaliste se voit dirigee et controlee par le cameraman (le spectateur puisque nous sommes en vue subjective) dans la penombre a la recherche du fameux trousseau de cles. Lui intimant l'ordre d'aller a droite, a gauche comme n'importe quel avatar virtuel.

Quand enfin la journaliste et son collaborateur parviennent a acceder au dernier etage, sorte d'ultime niveau, l'experimentation formelle cesse pour laisser la fiction reprendre ses droits. Cet appartement oublie est sature de photos, de reliques, de signes rappelant d'autres oeuvres inspiratrices. Et c'est dans ce lieu de confinement, au coeur meme de la fiction, puisque l'on apprend par la bande-son que cet endroit est le point de depart du desastre, que la terreur sera a son paroxysme. Balaguero et Plaza confrontant finalement les rescapes a ce qui git, ce qui vit dans les tenebres, l'origine du mal.

Alors que son dispositif narratif clame a chaque plan le contraire, REC est une oeuvre maitrisee de bout en bout par son duo detonnant de realisateurs. Questionnant notre perception des images comme les differents regimes dans lesquelles elles s'inscrivent et evoluent, Plaza et Balaguero n'oublient pas pour autant leur intrigue et la caracterisation des personnages. Soit ce que Romero n'a pas reussi a faire dans son Diary of the dead. Subversive, transgressive et reflexive, REC est une oeuvre majeure du cinema, tous genres confondus.

SPEED RACER : Aveuglement critique + incompréhension = plantage commercial

2008-07-23T23:11:10+02:00

Le voisin d'a cote is back et meme en super forme ! Etonnamment, maitre Rafik nous revient mais sans s' exprimer sur Speed Racer. Sans doute prepare t'il un article de 15 pages.

En l'attendant avec impatience, voici le mien (beaucoup plus court, je le confesse).a la fois pour saluer le genie des Wachowski, feter le retour de Rafik (depuis quelques jours deja, je sais mais je rentre juste de vacances !) et lui apporter mon soutien inconditionnel ainsi qu'a Totoro et tous ceux qui se sont fait "kickbannise" du forum de Mad Movies. La fin d'une epoque....

Alors que dans son ensemble les studios hollywoodiens misent sur une rentabilite immediate soit en debitant des remakes au metre ou des films reposant entierement sur leur concept et/ou leurs stars, la Warner prend tous les risques en osant proposer des oeuvres spectaculaires en terme de mise en scene comme visuellement et thematiquement. Et qui ne rencontrent pas leur public, comme l'atteste le nombre d'entree des remarquables La legende de Beowulf et Invasion. A croire que les spectateurs se mefient des lors qu'un blockbuster barbare ou une fable science-fictionnelle leur demandent de garder leurs neurones connectes. Un degre d'exigence qui est la marque de fabrique de Andy et Larry Wachowski et qui, pour les connaisseurs, est la promesse d'un cinema total.

Reception critique

Apparemment, la plupart des spectateurs comme les critiques ne sont pas prets a apprecier a leur juste valeur la generosite de ses deux realisateurs d'exceptions. C'est peu dire que leur dernier ne, SPEED RACER, divise. Les detracteurs se montrant virulents et agressifs dans leurs reactions, quand ils ne sont pas carrement a cote de la plaque. Que l'on aime ou pas SPEED RACER, il ne laisse pas indifferent. Il est pourtant etonnant de voir un certain mepris affiche par la presse dite specialisee (peu ou pas d'infos avant le mois de juin), encore plus lorsqu'il emane du magazine reference pour une grande partie des cinephiles, Mad Movies. Je n'invente rien, ils s'enorgueillissent d'ailleurs sur leur site de n'avoir absolument rien a faire du film!? Ils justifient ce dedain (il n'y a pas d'autre terme) par le recentrage de la revue sur l'horreur pure. C'est sur que preferer une preview sur X-Files 2 cela correspond parfaitement a cette ligne editoriale! Preview ou, soi dit en passant, ils font 3 pages sur de simples speculations puisqu'aucune info n'a filtree, soit litteralement du vent Il faut plutot y voir un reglement de compte avec l'equipe ayant sevi entre 2000-2003 et emmene par les Rafik Djoumi, Yannick Dahan, Arnaud Bordas et compagnie pour qui se posaient simplement la question de savoir si le film etait suffisamment interessant esthetiquement et thematiquement (qu'il soit apprecie ou non) pour en parler. Du gros blockbuster qui tache a la bonne petite serie B en passant par les perles occultees par les autres a cause de leur non potentiel commercial. Une autre epoque donc... Mais arretons la le proces du Mad.

DYNAMIC DUO

Un maelstrom de couleurs, de sensations et d'images, aussi beau que pueril et futile. Une definition aussi reductrice que fausse que nombres de critiques et d'internautes ont tot fait d'accoler a Speed Racer, nouveau film des freres Wachowski. Sous couvert de proposer un spectacle en technicolor pour gamins attardes, les deux esthetes aussi geniaux qu'incompris livrent sans doute ici leur film le plus personnel. Une approche humble et sincere ou les images demeurent plus que jamais le vecteur essentiel des emotions. 5 ans apres avoir conclu leur incroyable fresque philosophico-kung-fuesque, les Wachowski reviennent donc a la realisation en adaptant un dessin-anime japonais dont ils sont fans et ayant berce l'enfance de generations entieres d'americains, "Mahha Go Go Go" de Tatsuo Yoshida et traduit par Speed Racer. Apres s'etre laches avec la monumentale saga Matrix, dont le dernier episode consacra un peu plus l'hermetisme (apparent seulement) de leur cinema a ceux qui ne veulent pas voir, les frangins veulent se recentrer vers une oeuvre plus accessible et grand public. Un mixage de comedie familiale et de critique du sport spectacle qui s'avere beaucoup plus ambitieux formellement et thematiquement.

Malgre le scepticisme a l'egard de leurs oeuvres anterieures et plutot que d'opter pour la facilite, les Wachowski osent un film particulierement barre et pour certains carrement psychotronique. Fideles a leur conception du medium, ils reproduisent a l'ecran un decorum fortement connote sixties en concordance avec le dessin-anime d'origine. Une cohesion artistique renforcee par des references d'epoque, mobiliers, James Bond, Conan le barbare, la serie Batman (la sequence de baston dans les montagnes ou ne manquait que la visualisation des onomatopees !) mais aussi Dick Tracy avec cette collection de trognes pas possibles des bad-guy. Quand a la dynamique d'ensemble, ils ont ete fortement influences par Miyasaki et notamment par son Chateau de Cagliostro et les jeux videos. Enfin, au petit jeu des citations, on pourra reconnaitre des emprunts a Akira et le realisateur de japanime Kawaijiri ou a l'art contemporain et abstrait. Mais comme Tarantino ou les coen, leur cinema ne peut se resumer et se reduire a un assemblage heteroclite, puisque chez tous ses auteurs l'important est de se reapproprier ces influences afin de nourrir leur propre travail, les redefinissant pour construire un univers coherent et en adequation avec leur propos. Et dont Speed racer est une parfaite illustration.

L'art de l'enfance

Tandis que l'on pouvait legitimement craindre une trop forte distanciation (Pouah, on dirait Spy kids sous LSD !), ils reussissent une fois encore le pari incroyable d'une immersion complete grace a leur seule mise en scene. Le premier quart d'heure est a ce titre un pur regal et un modele du genre. Une introduction que bon nombre de realisateurs souhaiteraient reproduire en guise de climax final ! Un veritable sommet de concision et de precision dans l'univers depeint comme la presentation des personnages et des enjeux a venir. Alternant les flash-backs et le present sans coupes, les transitions etant effectuees par le biais des personnages ou d'une camera en mouvement, donnant a ses allers-retours temporels une linearite exemplaire. Une homogeneite que l'on ne retrouve que dans les anime et permise par l'emploi du numerique. Les Wachos accelerent meme le rythme des la course de bolides, la sarabande folle du present sur les talons d'images du passe. Speed lui-meme chassant le record de vitesse du tour de son frere disparu jusqu'a poursuivre son fantome. Tout simplement grandiose. Et quand Hollywood multiplie les dialogues explicatifs, les deux realisateurs preferent laisser parler les images, nous rappelant que le cinema est un art du muet, utilisant toutes les possibilites offertes par le numerique (ralentis extremes, inserts, travellings avant/arrieres, etc) pour une lisibilite absolue des enjeux dans l'action. Ils poursuivent meme la reflexion, entamee avec Matrix, sur l'imbrication des differents degres de realite, leur permeabilite et leur capacite a englober personnages comme spectateurs, a un degre superieur. Ainsi, tout porte a croire au debut que nous sommes dans une fiction aux decors contemporains bien que marques par des couleurs eclatantes (la salle de cours et le bureau de la conseillere). Mais des la sortie en trombe de Speed, c'est le choc. Les couleurs chamarrees ne sont pas exclusives des decors interieurs, la fiction dans son entier y est assujettie. Les Wachowski font plus qu'adapter un dessin-anime culte, ils composent un univers totalement soumis aux fantasmes du gamin.

Lorsque le jeune Speed s'imagine au volant d'un bolide dessine par la main d'un enfant, c'est la fiction entiere qui sera soumise a son reve eveille, comme remarquablement traduit a l'ecran par les effets parallaxes du decor (des lignes paralleles donnant l'impression de converger), la figuration des lignes de vitesse (marque de fabrique des mangas et autres O.A.V), des circuits automobiles au trace et au design delirants ou les aplats de couleurs primaires. A noter qu'en psychologie, la parallaxe est une modification de la subjectivite, la difference de perception d'une meme realite, ce qui appuie un peu plus la demonstration selon laquelle les intentions des frangins sont sans cesse tributaires et illustrees par les effets de mise en scene. D'emblee, les Wachos annoncent la couleur, le film sera entierement marque par le sceau d'une vision naive (et non pas niaise) du cinema et completement voue a la recherche d'un emerveillement et d'un plaisir enfantin. Pas de regression mais bien un retour a des sensations primordiales, denuees de tout cynisme. Une belle reponse aux detracteurs leur opposant le manque d'affect de leurs realisations. Soulignons que la scene ou le frere cadet de Speed, Sprittle, et son chimpanze Chimp-Chimp foutent le boxon dans l'usine Royalton apres avoir ingurgite trop de friandises peut, doit, se lire comme l'expression fantasmatique du desir de Speed de tout envoyer bouler apres que Royalton lui ai revele les dessous pervers du sport-business. Une impression encore une fois renforcee par la seule mise en scene puisque les deambulations hysteriques du duo sont a chaque fois amorcee par un gros plan du visage de Speed. Sans oublier que la maitrise des cadres ne serait rien sans une direction d'acteur remarquable (ils sont tous parfaits), le soin apporte a des dialogues sonnant juste et la musique de Michael Giacchino retrouvant la perfection de son score pour Les indestructibles. Sinon, les Wachowski ne font que filmer des bagnoles hot-wheels dans un environnement infographique digne du jeu F-zero, a creve les yeux !

Un film super plat.

Du spectacle pour gosses, Speed racer n'en possede que l'apparente simplicite, n'hesitant pas a aborder les arcanes de la finance (on parle d'OPA, de rachat de titres, de speculation...) et ou Racer X le justicier des circuits travaille en etroite collaboration avec la commission de surveillance, proposant de lutter non plus physiquement mais en trainant les responsables devant la justice (!). Le defilement des valeurs boursieres tenant lieu de nouveau code matriciel pour Royalton, assumant completement son attachement a la marchandisation generalisee. Ce n'est d'ailleurs pas un hasard si les tenants du neo-liberalisme se contentent de regarder l'action devant un ecran plutot que d'y participer. Les Wachowski opposant visuellement et philosophiquement deux conceptions antagonistes. La mere de Speed "Ce que tu fais avec ta voiture, c'est de l'art" et Racer X : It doesn't matter if racing never changes. What matters is if we let racing change us. Every one of us has to find a reason to do this. You don't climb into a T-180 to be a driver. You do it because you're driven exprimant la profession de foi des realisateurs envers le cinema et que Speed materialisera dans la derniere sequence. Pas mal pour un spectacle pour attarde mental ou gamins de 3 ans. Et les prouesses techniques, le car-fu et les quelques concessions (qui n'en sont pas vraiment d'ailleurs, voir paragraphe precedent !) faites pour elargir leur audience (les scenes de comedies burlesques, les persos du chimpanze et de Sprittle) ne peuvent supplanter leur ambition esthetique premiere de donner l'impression de se mouvoir dans un dessin, un celluloid ou une peinture. Une volonte qui se traduit a l'ecran au travers des multiples references a la pop-culture et au procede de 2D selon le concepteur des effets speciaux John Gaeta mais qui a en fait tout a voir avec le . Un mouvement d'art contemporain influence par l'anime et le manga qui vise a analyser la culture japonaise a travers la sous-culture dite . Cette derniere emergeant au sortir de la seconde guerre mondiale en absorbant la culture occidentale et plus particulierement americaine. super plat et se refere a diverses formes aplaties de l'art graphique japonais ainsi qu'a la superficialite de la culture consumeriste japonaise. Ce que le film experimente en abolissant toute profondeur de champ. Takashi Murakami est considere comme le chef de file de ce mouvement. Il cristallise dans ses oeuvres et ses projets, la nouvelle subculture de Tokyo. Il est le representant d'une generation impregnee de l'imaginaire des mangas et des otakus. Il reflechit particulierement aux scenographies pour que le public ait l'impression d'etre entoure par une multitude de cameras, meme s'il se trouve en face d'une seule et meme image . Soit exactement le procede technique utilise par Gaeta et son equipe. Une de ses adeptes est Chiho Aoshima, dont les peintures qu'elle peignit dans le metro japonais ont ete reprises pour figurer la ville ou siege la firme Royalton.

Sature de references artistiques et cinephiliques, Speed racer n'en demeure pas moins l'expression ultime d'un cinema total, entierement voue a propulser ses spectateurs dans un monde fantasmagorique ou ne compte plus que la resonance interieure. Une quete spirituelle que les Wachos poursuivent en convoquant le precurseur de l'art abstrait, le peintre Vassili Kandinski.

Du spirituel dans l'art et dans le cinema des Wachowski en particulier

Peintre mais aussi theoricien de son art, lorsque l'on etudie ses oeuvres et plus encore ses ecrits, il apparait que les Wachowski se sont appliques a retranscrire ses theories et son engagement. Ainsi, pour Kandinski, l'art peut etre aussi l'expression directe du monde interieur de l'individu, et il vient a considerer que la peinture peut s'affranchir des formes et s'exprimer dans la seule dimension du trait, de la tache et de la couleur et qu'il peut a partir de la tout autant toucher l'ame de l'homme que la representation figurative.

Lorsque l'on regarde les couleurs sur la palette d'un peintre, un double effet se produit: un effet purement physique de l'oeil charme par la beaute des couleurs tout d'abord, qui provoque une impression de joie comme lorsque l'on mange une friandise. Et oui, le choix de couleurs n'est pas du mauvais gout. De meme que la sequence ou Sprittle et son singe devalisent le coffre a bonbons de Royalton n'offre pas seulement une respiration humoristique.

Mais cet effet peut etre beaucoup plus profond et entrainer une emotion et une vibration de l'ame, ou une resonance interieure qui est un effet purement spirituel par lequel la couleur atteint l'ame. Ce que Kandinsky appelle le devient de plus en plus eclatant, il se charge d'un pouvoir emotif et d'une signification cosmique intense.

Son premier grand ouvrage theorique sur l'art, intitule Du spirituel dans l'art et dans la peinture en particulier, parait fin 1911. Il y expose sa vision personnelle de l'art dont la veritable mission est d'ordre spirituel, ainsi que sa theorie de l'effet psychologique des couleurs sur l'ame humaine et leur sonorite interieure.

Ainsi le vert produit le calme (la mere de Speed est vetue de vert lorsqu'elle le reconforte apres la mort de son frere), Le rouge est une couleur chaude tres vivante, vive et agitee, il possede une force immense, il est un mouvement en soi (le rouge caracterise le famille Racer, mobilier, uniformes, atelier), le violet est un rouge refroidi qui confine a l'immobilite (Couleur caracterisant Royalton, il en est vetu et l'enjeu pour lui est de faire revetir un costume violet a Speed, signe de son controle sur lui) et ainsi de suite.

Enfin, le grand final paroxystique et orgiaque, le Grand Prix definitif qui consacre Speed moins comme le vainqueur que comme l'artiste transcendant son art, est l'exacte illustration de peintures ou de grandes masses colorees tres expressives evoluent independamment des formes et des lignes qui ne servent plus a les delimiter ou a les mettre en valeur mais qui se combinent avec elles, se superposent et se chevauchent de faon tres libre pour former des toiles d'une force extraordinaire. Le deferlement de couleurs fusionnant avec la structure du circuit dans un crescendo accentue par la musique, provoque une sensation ultime d'apaisement et de plaisir. Une experience rare a vivre en salles.

Reprenant a leur compte diverses influences tant artistiques que cinematographiques, cinephiliques ou geek, les Wachowski livrent encore une fois un film irreverencieux puisque allant a l'encontre du formatage formel habituel. Toujours animes par la meme demarche de proposer un divertissement en appelant a la fois a l'intelligence et la sensibilite des spectateurs, les deux natifs de Chicago demeurent inexplicablement boudes par la critique et le public (voir les resultats catastrophiques du box-office mondial). S'exposant comme jamais, les Wachowski auront pris en pleine gueule le refus de leur jusqu'au boutisme et leur avant-gardisme. OEuvre magnifique et exigeante pour les neurones et les sens, SPEED RACER est un veritable antidote au cynisme et aux films decerebres que l'on nous vend a longueur d'annee. En plus d'etre un putain de chef-d'oeuvre incompris !

Indiana Jones et le royaume du crâne de cristal : La guerre des mythes

2008-07-12T14:52:33+02:00

En attendant de lire une critique plus concise dans le numero 13 de la revue VERSUS (http://www.versusmag.fr) avec tout un dossier (tres) complet sur Spielberg, voici une version longue de ce que je pense du dernier opus de la saga Indiana Jones. Le dernier paragraphe ayant ete inspire par le "voisin" d'a cote, maitre Rafik.

A entendre et lire les reactions plus que mitigees de la plupart des spectateurs, journalistes ou non, apres la projection du Royaume du crane de cristal, le retour d'Indiana Jones est au mieux decevant, au pire rate. Apres une si longue absence (19 ans quand meme !), difficile de retrouver la maestria des Aventuriers de l'Arche perdue. Pourtant, les imperfections scenaristiques et esthetiques de ce film deconcertant a plus d'un titre en font sans doute l'opus le plus fascinant et passionnant de la saga.

George Lucas est co-createur du personnage, mais c'est bien Spielberg qui en a fait une icone par la grace de sa realisation. Une paternite partagee qui s'accommoda plutot bien de leurs visions respectives de l'archeologue, la trilogie ayant marque durablement l'imaginaire collectif. Les choses changent. Les deux comperes jouissant dorenavant d'une position dominante dans l'industrie hollywoodienne, technologique pour l'un, artistique pour l'autre, le compromis n'est plus de mise. Ce quatrieme episode etant le theatre d'une veritable lutte d'influence entre les deux moguls. Et a ce petit jeu, c'est Spielberg qui en sort grand vainqueur.

Apres la catastrophique reprise en main de John Mc Clane par Fox News l'ete dernier, faisant du heros a la bad-ass attitude un reac-conservateur, l'annonce de la reprise en main par Lucas d'une autre idole des annees 80 laissait presager du pire. Refusant et reecrivant le scenario de Frank Darabont pourtant approuve par Spielberg et Ford, le pire etait a craindre. Autrement dit, le syndrome de la prelogie Star Wars menaait de frapper d'inanite le retour du heros au chapeau et au fouet.

Un Darabont non credite, lui qui est pourtant associee a la mythologie Indiana Jones puisqu'il ecrivit 6 episodes de la serie racontant les aventures du jeune Indiana Jones. A noter qu'un episode, jamais produit, de la 3eme saison devait etre base sur une idee de Lucas et ayant pour theme des cranes de cristal. Encore une fois, rien ne se perd avec tonton George.

Les aventuriers de l'Arche perdue dans le retro...

Et cela debute par une premiere sequence annonant un changement fondamental, la celebre montagne de la Paramount ouvrant habituellement chaque film se muant en monticule de terre d'ou surgit un chien de prairie numerique. Aussi laid qu'inquietant pour la suite, ce plan sera constamment invalide formellement par un Spielberg en pleine forme bien que figurant le remaniement profond opere a la mythologie de la saga.

Autrement dit, Indiana Jones est le meme que dans nos souvenirs mais aussi different.

A ce titre, le retour du heros est magistral. Apres avoir evacue les ados parasites de American graffiti (film de Lucas) des la sequence inaugurale, Spielberg signifie que les choses ont change en montrant une intrusion violente dans une base secrete americaine par un convoi de soldats russe. La menace est presente sur le sol yankee et viendra extirper Indiana Jones de sa retraite. Notre heros etant extrait manu-militari du coffre d'une voiture. Pour l'instant cadre de dos et en plongee, Spielberg convoquera majestueusement le celebre aventurier en quelques plans - un chapeau au sol, une main qui s'en saisit, une ombre qui l'ajuste sur la tete celui-ci daignant se retourner enfin a l'aboiement de son nom. Indiana Jones desormais incarne dans toute sa splendeur.

Par la suite et des l'arrivee des bad-guys du film, des russes menes par la capitaine Spalkow (imperiale Cate Blanchett), Spielberg s'ingeniera a retrouver le souffle des aventuriers de l'Arche perdue. Le hangar entraperu a la fin du 1er episode etant le point de depart d'une action toujours aussi epique et grandiloquente, ou les capacites physiques (bien qu'amoindries par l'age) autant qu'intellectuelles preserveront notre heros.

Mais le personnage a change. Vieilli meme comme se plait a le rappeler Mutt Williams (Shia LaBeouf, etonnant), le traitant de a maintes reprises. Indy malgre ses etats de services sera mis a l'epreuve autant physiquement (les nombreuse manadales qu'il reoit, chute a moto,etc...) que verbalement. Par Mutt donc mais egalement par deux agents du F.BI le souponnant d'activites anti-americaine.Celui-ci personnifiant idealement l'audience actuelle, dubitative face a ce prof ne faisant plus fantasmer ses eleves depuis longtemps. Spielberg teste donc la capacite d'adaptation de son personnage a un contexte aussi particulier que les annees 50. Finies les immuables annees 30 et a la legerete des serials. Indy fait maintenant face a un monde travaille par la peur de l'Autre (communiste) et de l'atome. Dans un monde ou regnent la paranoia et le maccarthysme, Indiana Jones apparait partiellement inadapte.

Tout le film soulignera d'ailleurs son changement de statut, passant du role d'acteur a celui d'observateur des evenements historiques. Ce que deux plans figurent magistralement. Indy face a la bombe et face a l'envol d'un engin spatial. Cette derniere image du climax, a la fois choquante et fascinante fait figure a elle seule de lien entre deux versants de la cinematographie de Spielberg, une quete de spiritualite incarnee par l'aventurier et la possibilite d'un enseignement superieur prodigue par l'Autre.

Deux images aussi incongrues que belles ou la composition des cadres voyant un Indy miniaturise au premier plan renvoie a ces couvertures de comics ou de pulps pullulant dans les fifties.

Ces deux sequences sont egalement l'occasion pour Spielberg d'opposer l'evolution de deux conceptions bien differentes de la famille. Celle ideale representee par les mannequins de ce village-test malsain et detruite par l'explosion atomique, repondant a celle recomposee de la famille Jones apres le decollage du vaisseau.

Une prise de risque permanente traduit le desir de retrouver un ton delicieusement retro et adapte a son heros. A ce titre, certains effets-speciaux paraissant approximatifs sont parfaitement raccord avec l'impression visuelle des episodes precedents.

Mais l'evolution du heros sera marquee par la realisation de Spielberg, retrouvant un classicisme devenu desuet a l'heure actuelle et pourtant indispensable des qu'il s'agit d'installer durablement intrigues et caracteres. Cadres elargis, retour du hors-champ et plan durant plus d'un dixieme de seconde, soit le retour a une realisation dite classique que l'on a deja pu apprecier en mars dernier avec The mist de Frank Darabont (tiens, tiens).

Si les morceaux de bravoure abondent (la poursuite anthologique dans la jungle amazonienne), comme l'humour (savoureuses retrouvailles avec Marion Ravenwood), ce qui sous-tend tout le film est moins la course a l'armement ultime que la quete du Savoir.

Une quete du Savoir, qu'il soit scientifique, cinematographique ou archeologique qui a toujours ete le moteur de la saga et plus encore de ce film. Au contraire d'un Benjamin Gates pour qui seule importe la reconnaissance (cf le livre des secrets).Une difference fondamentale, comme l'est celle entre un Savoir relatif, acquis par la recherche, l'enseignement et un Savoir absolu, convoite pour sa puissance intrinseque. L'un est emancipateur, l'autre destructeur. Une philosophie presente depuis L'Arche perdue et qui ici prend une dimension extreme avec une race extra-terrestres pourvoyeuse des connaissances responsables de l'evolution humaine. Une thematique et un look des E.T semblables a ceux mis en scene par De Palma dans son Mission to Mars.

Et pour bien souligner que ce qui interesse veritablement Spielberg chez son aventurier est sa soif constante de connaissances, il livre le film sans doute le plus ludique de la saga voire de la carriere de Spielberg, celui-ci jouant avec le savoir des spectateurs.

Des references d'abord historiques (guerre froide) puis mythologiques (incident de Roswell). A celles se rapportant aux episodes precedents, aux romans derives et a la serie Young Indiana et ancrant le film dans une continuite chere a Lucas, Spielberg prefere se referer a des classiques de la S.F estampilles fifties. Them! (attaque de fourmis geantes), Quand les soucoupes attaquent la ville, L'invasion des profanateurs de sepulture (au detour du monologue de Spalkow sur le controle de la psyche americaine par le biais de la pensee unique), autant de rappels reactivant les connaissances des spectateurs, enrichissant aussi bien la realite diegetique que les emotions vehiculees. Soit une demarche similaire a celle de Tarantino.

Donc, malgre le parasitage de Lucas, les nombreuses bestioles numeriques en etant la demonstration la plus eloquente, Spielberg parvient a rester maitre du personnage qu'il a contribue a faonner. Mieux, il retourne en sa faveur les elements imposes par le scenario reecrit par son ami pour nourrir sa propre vision et reflexion sur l'homme au fouet.

...les aventures de Tintin dans le viseur.

Tandis que l'annonce de l'adaptation de Tintin par Peter Jackson et Spielberg a deja fait 3 fois le tour d'internet, en revanche peu savent que l'interet du golden-boy pour notre reporter a la houpe n'est pas seulement consecutif aux possibilites offertes par la performance capture, mais date deja de 1983. Et si le projet d'une adaptation live officielle fut avortee (question de droits), Spielberg en tourne une version officieuse avec le tant decrie par les fans Indiana Jones et le temple maudit. Et oui, Spielberg s'est amuse a detourner des cases entieres de plusieurs albums. Demi-lune etant une reference plus qu'explicite du personnage de Tchang dans Le lotus bleu, certaines scenes dans la jungle et le palais du maradjah rappelant l'album Les cigares du pharaon.

Outre les references a l'album Vol 714 pour Sydney, le royaume du crane de cristal est une forme de preparation au futur.

Alors que Lucas tente d'imposer sa vision mercantile du cinema a la saga, le personnage de Mutt Jones etant appele a prendre la releve. Il est d'ailleurs desormais celui qui provoque les evenements et en l'occurrence la fuite des heros du camp des russes lorsqu'il balance d'un grand coup de pied la table sur laquelle Indy ET Spalkow etudiait une carte. A partir de cet instant notre celebre aventurier restera plus ou moins en retrait laissant le soin a Mutt de montrer ce dont il est capable. Ainsi, Spielberg en profite pour prendre un coup d'avance (comme souvent) et tester aupres d'une large audience les possibilites d'action et le charisme d'un personnage dans la meme tranche d'age que Tintin. Soit peu ou proue ce que Peter Jackson justement avait fait avec Fantomes contre fantomes, experimentant certains motifs qu'il reprendrait dans sa trilogie de l'anneau.

Donnant l'impression de conceder du terrain a son envahissant ami, Spielberg s'affirme bien plus subversif qu'attendu. La derniere sequence est a ce titre eloquente. Alors que Mutt recupere le chapeau emblematique a terre, pret a le mettre, Indy lui ote des mains in extremis. Une scene savoureuse a la double signification. Le jeune Jones devra se construire sa propre personnalite, tandis que le protege de Lucas n'est pas encore pret a prendre la suite. Le tout affirme avec de grands sourires.

Parvenu a s'approprier ce gamin impetueux, Spielberg affirme ainsi que le passage de relais ne se fera pas sans son consentement.

Nicolas Zugasti