Rêves (Akira Kurosawa, 1990)

Une fois n'est pas coutume, les sketches les plus chiants de ce film en huit parties sont montés en premier ! Je trouve les films à sketches généralement assez ennuyeux, souvent parce que les films sont de qualité inégale. Rêves, soit-il de Kurosawa, et produit par Scorsese, Lucas et Coppola, n'échappe pas à la règle.

Kurosawa fait partie de cette génération qui a connu le monde avant que qu'il ne soit définitivement sali par les activités humaines. Il fait partie des derniers tenants d'un héritage séculaire, et avec quelques sketches de ce film, il établit une opposition entre l'ancien monde et le nouveau. Et il le conçoit avec pessimisme.

Mais de tous les « rêves » c'est définitivement « les corbeaux » qui a le plus retenu mon attention. Montrant un peintre amateur visitant une salle consacrée à Van Gogh, l'homme s'imagine entrer dans la peinture et retrouver Van Gogh (Martin Scorsese) en pleine fièvre créatrice. Les couleurs et les décors ont été retravaillés de manière à donner l'aspect expressionniste des peintures de Van Gogh, jusqu'à ce que le personnage, dans une sorte d'illumination, saisisse la méthode du peintre mythique. Il traverse alors des décors qui ne sont autre que les étapes successives de la création de l'œuvre, jusqu'à aboutir à la peinture elle-même. En quelques petites minutes, parvient à croquer la beauté, le désespoir, l'urgence et la folie qui imprègnent l'œuvre du peintre, jusqu'à une dernière image qui fait surgir l'émotion par sa simplicité : un coup de chapeau littéral, de maître à maître.

Rêves n'est à mon avis pas un bon film. Les idées étaient là mais Kurosawa n'avait visiblement plus la force de les illustrer.  Mais rien que pour « les corbeaux », il mérite d'être vu, au moins une fois dans sa vie.

Au bout de la nuit (David Ayer, 2008)

David Ayer fait partie de ces réalisateurs moyens pour lesquels j'ai systématiquement du mal à trouver ce qui cloche dans leurs films. Bad Times était un film pas mal, mais pas transcendant non plus, entièrement porté par l'interprétation exceptionnelle de Christian Bale. Ce deuxième film du scénariste de Training Day est également un film pas mal, mais il manque de quelque chose pour en faire un film dont on se souviendra.

99F (Jan Kounen, 2007)

Jan Kounen a beau se défendre à corps perdu de ne pas avoir craché dans la soupe en faisant ce film (il a réalisé un nombre incalculable de publicités), c'est quand même l'impression qui domine à la fin du visionnage. Comme d'habitude, le réalisateur tombe dans des excès formels que la fin très caricaturale du scénario n'aident pas à crédibiliser. Kounen fait partie avec Michael Bay de ce club très fermé de réalisateurs dont la volonté d'en faire trop exprès annihile systématiquement la provocation qu'ils espéraient  mettre dans l'exagération. Néanmoins, ce film fait du bien à ceux qui, comme moi, hurlent à la mort devant le cynisme et le mépris de la publicité télévisée pour le spectateur.

Fido (Andrew Currie, 2006)

Fido est une excellent surprise. Les critiques à sa sortie étaient plutôt inégales, ce qui m'a conduit à ne pas aller le voir, à tort, comme souvent. L'humour noir affleure à tous les coins de plan de cette histoire de famille dysfonctionnelle qu'un zombie de compagnie vient sortir de son quotidien ennuyeux. Fido est l'exact contraire de 99F, chroniqué un peu plus haut : la provocation est partout, mais jamais appuyée par des effets de caméra ou des aberrations scénaristiques sensées être provocatrices. Le film tient son récit dans les rails, et les traits d'humours sont toujours imprégnées par la comparaison que l'on fait entre notre société actuelle, et celle décrite dans le film : la peur de la mort, la vie éternelle, le culte des apparences, la famille, le racisme, le conformisme, les préjugés, tous les sujets sont abordés en filigrane par le film. Selon si vous saisissez ou non la mise en abyme, vous rirez... ou pas.

C'est ce qui explique les critiques variables à la sortie du film, et c'est aussi tout ce qui en fait la valeur.

Rocco et ses frères (Luchino Visconti, 1960)

Grande fresque sur l'émigration sud-nord des Italiens pauvres de l'après guerre, Rocco... décrit les destinées disparates des cinq fils d'une mamma Italienne envahissante. Je ne saurai dire pourquoi j'ai aimé ce film, pour une fois... la capacité qu'a Visconti de mener en parallèle les destinées de 4 de ces frères est évidemment exemplaire, et élève le film au-delà de la simple tranche de vie familiale pour en faire une parabole de l'Italie de l'après guerre. Pour ceux qui n'imaginent pas qu'Annie Girardot ait pu être sexy une fois dans sa vie, il faut la voir dans ce film : elle y est lumineuse.

Kung fu Panda (Mark Osborne, John Stevenson, 2008)

Un film pas mal du tout, finalement. Je craignais un peu le film pour enfants idiots, mais les scènes de baston sont absolument bluffantes de virtuosité et l'animation des personnages d'une vérité confondante. Le seul problème reste le scénario, qui est bien trop calqué sur tous les films de "sauveurs révélés à eux-même et réalisant leur destinée" que l'on a pu voir récemment. Il est donc difficile de se passionner pour les aventures de ce panda adepte de kung-fu, les surprises scénaristiques n'étant pas légion. Ceci dit, une grande partie de l'intérêt de ce genre de film réside dans les petits détails, et là, par contre, l'équipe en a trouvé de quoi remplir tout le métrage! Les mimiques, les traits d'humour pas trop lourdauds, les personnages typés (bien que sous-utilisés pour certains), et les décors d'une beauté réellement stupéfiante suffisent pour nous faire passer un bon moment. Bastons comprises, bien sûr...

Commando fait partie d'une trilogie occulte de films d'action abstraits, aux côtés de Ronin (John Frankenheimer, 1998) et ses ex-espions en lutte pour récupérer une valise-mac guffin au contenu à jamais inconnu et de Speed (Jan de Bont, 1994), qui décline jusqu'à l'absurde la recette du « toujours plus » typique de ce genre de cinéma. Le film avec Schwarzenegger utilise avec aplomb tous les clichés les plus rebattus que l'on peut trouver dans le film de genre « action ».

Un genre naît lorsque l'adjectif qui le définissait en tant que sous-genre devient un substantif à part entière. C'est à l'action à proprement parler, donc à la matérialisation esthétique de l'acte de violence que l'on a commencé à s'intéresser à partir du premier Rambo (Ted Kotcheff, 1982). Pour pouvoir donner corps –ou prétexte- à la présence d'un acte de violence, les scénaristes trouvent des situations-types qui deviennent rapidement des codes, voire des clichés du genre : la prise en otage d'un être cher, la profession du personnage principal (flic ou ex-militaire), le bad guy sans pitié. A partir d'un canevas quasi abstrait, on tresse une histoire qui permet d'injecter régulièrement des poursuites en véhicule(s), des combats au corps à corps et des échanges de coups de feu.

Avant de naître véritablement, le cinéma d'action a été annoncé par une série de films qui mettaient petit à petit en avant les ingrédients constitutifs du genre. Le héros aux caractéristiques christiques notamment, a émergé dès le début des années 70 avec la série des Inspecteur Harry. En 1975, Rollerball, un film de sport futuriste, fait de l'action violente la première cause de mythification de son personnage principal. Cette préhistoire du genre s'achève en 1982 avec Rambo, au titre original prémonitoire (First blood), qui à travers l'histoire d'un vétéran du Vietnam traumatisé rejeté par sa communauté et qui prend les armes pour se défendre, fait le lien entre les films sociaux des années 70 et les pop-corn movies des années 80.

Pendant sa période historique, le cinéma d'action décline tous les postulats scénaristiques possibles pouvant donner lieu à une confrontation armée ou musclée. Parmi les sommets du genre, on compte nombre de films de John McTiernan, (Predator, Die Hard 1 & 3) et la plupart des films de James Cameron. Mais la machine commence à tourner à vide à la fin des années 80. Quelques bons films du genre sortent épisodiquement jusqu'au milieu des années 90, date de la fin de la période historique du cinéma d'action classique. La plupart des films d'action qui sortent dans les années qui suivent sont des parodies (Alarme fatale, Gene Quintano, 1993), des fourre-tout comédie-action (Demolition man, Marco Brambilla, 1994) ou des films dont les réalisateurs n'assument pas jusqu'au bout le genre dans lequel ils sont censés oeuvrer (Dommage collatéral Andrew Davis, 2002, Le Chacal, Fred Zinnemann, 1998).

Commando, qui a vu le jour en 1985, se situe dans la période à proprement parler historique du genre. Les recettes typiques y sont encore utilisées avec naïveté, parce que le genre est encore tout récent, et le public pas encore lassé de voir qu'une prise d'otage puisse être prétexte à tout un film.

Car dès le début du film, le personnage principal, ancien militaire à la retraite incarné par Schwarzenegger, voit sa fille unique –qu'il élevait seul– kidnappée par un groupuscule terroriste. Les ravisseurs lui donnent onze heures pour renverser (seul aussi) le pouvoir dans une petite république d'Amérique du Sud, sans quoi sa fille mourra. Evidemment, dès les premières minutes du compte à rebours, le héros prend un tout autre chemin et décide d'utiliser le temps imparti pour remonter la piste des terroristes et les descendre un par un en utilisant le maximum d'armes et de méthodes de tuerie différentes.

            Ce n'est pas par hasard si le héros s'appelle « Matrix » : il y a dans ce film un condensé presque exhaustif de tout ce qui se verra dans le cinéma d'action de la décennie à venir : outre les recettes de base citées plus haut, on y trouve le bras droit du méchant-très-costaud-très-méchant-très-difficile-à-battre-au-cours-d'un-homérique-combat-final, l'escalade progressive de la puissance des armes utilisées, et la jeune femme-prétexte à une pseudo romance, expédiée parce que l'intérêt réel du film est dans l'action. Mais surtout, le personnage principal, Arnold Schwarzenegger, du haut de ses presque deux mètres et lourd de ses deux cent kilos de barbaque, incarne comme le dit si justement John McTiernan, « le personnage de comic-book ultime ». Avec lui, pas besoin d'artifices, on sent qu'on est dans une dimension parallèle. Il y a quelque chose d'irréaliste à sa présence dans un film. En cela, il aide le spectateur à faire reculer un peu plus la limite de sa suspension d'incrédulité... et le film, aussi irréaliste soit-il, devient acceptable. Matrix saute donc d'un 747 au décollage pour atterrir sans casse dans un marais, soulève un type d'un bras, remet d'aplomb une Porsche retournée en discutant avec l'héroïne, et utilise à un moment où à un autre toute arme ou tout type de véhicule disponible sur le marché. Commando est donc un film-somme, une matrice servant de modèle à tous les films d'action à venir.

            De nos jours, le genre a été battu en brèche, tous les schémas structurels utilisés dans les années 80 jusqu'au milieu des années 90 sont usés jusqu'à la corde. Ils ont été exploités sous toutes les déclinaisons possibles et se sont asséchés. Le dernier grand film d'action de la période historique du genre est Die Hard 3 (une journée en enfer), de John McTiernan, en 1995.

            La résurrection du cinéma d'action nous vient par le réalisme ; tendance initiée par la trilogie  Jason Bourne (avec Matt Damon) depuis le début du millénaire. Les critères de ces films ont changé, probablement un peu guidés par le traumatisme post-11 septembre. Mise en scène proche du documentaire, armes et actions restant dans les limites du réalisme et de la faisabilité, romances creusées entre le héros et l'éventuelle héroïne. Tout l'inverse d'un James Bond, étalon millénaire du cinéma d'action, qui a pris du plomb dans l'aile et s'adapte à cette nouvelle vague en devenant lui-même plus réaliste avec le Casino Royale de Martin Campbell (2006).

Au regard de cette nouvelle vague, où les actes de violences sont toujours plus ou moins justifiés, on prend plus facilement la mesure de l'aspect finalement extrêmement provocateur du cinéma d'action des années 80. La somme hallucinante de meurtres commis, qui provoquaient l'ire des bien-pensants dans les années 90 et qui a entraîné –en partie- la chute du genre était effectivement gratuite. Schwarzenegger brisait des nuques à tire-larigot et balançait des types dans les falaises en faisant de petites blagues. Toute une époque ! Après quinze ans de politiquement correct institutionnalisé, on peut se dire que l'on ne verra probablement plus personne oser une chose pareille. Commando, comme les films d'action des années 80, fait maintenant partie de l'histoire du cinéma.

Le cinéma d'action a fait l'objet d'un mépris constant depuis sa création. Même les films les plus actuels du genre, comme la trilogie Bourne, sont considérés avec condescendance par la critique comme par l'intelligentsia. Les spectateurs eux-même ont tendance à en parler comme d'un plaisir coupable. Peu de livres ont été écrits sur le sujet. « Le cinéma américain des années 80 », d'Olivier-René Veillon, édité en 1988 ne fait par exemple pas mention une seule fois à un film du genre ! En fait de cinéma des années 80, il parle surtout de la fin de carrière de cinéastes dont les œuvres majeures sont sorties dans les années 70 (à l'exception de Spielberg).

Pendant longtemps, on a considéré que les années 80 avaient été un no man's land artistique au cinéma. Pourtant, le genre « action » y a été inventé. Du moins, comme le Western a acquis ses lettres de noblesse dans les années 30, le cinéma d'action y a acquis les siennes pendant ces années-là.

Avec « le cinéma des années Reagan », recueil de textes paru en 2007, des universitaires se penchent enfin sur le genre. Ils évoquent la carrière de ses acteurs majeurs, Stallone et Schwarzenegger, et, comme l'on pouvait s'y attendre, leurs films majeurs : Die Hard, Predator, la saga des Rocky. Même si l'angle d'analyse reste un peu frileux (on y parle beaucoup sociologie, contexte historique et économique) et donne un peu trop le sentiment de chercher à se légitimer, on ne peut qu'être profondément reconnaissant à ce livre d'exister. Certaines analyses sont très pertinentes (la nouvelle donne du film d'action de Florent Tréguer, p85, qui décortique toute la nouveauté des premières collaborations entre John McTiernan et Joel Silver), d'autres assez cocasses, même si très intéressantes (le corps bodybuildé au cinéma : magie et anthropologie, de Laurent Kasprowicz et Francis Hippolyte, p193). Le chapitre consacré aux « enjeux de la réception et des publics » est par contre bien plus étrange. Dans les textes qui le composent, les auteurs trahissent un peu leur mépris latent pour le genre. En analysant quel type de public aime ce genre de film et les raisons qui le poussent à l'aimer, ils prennent clairement leurs distances et posent un regard purement anthropologique sur le spectateur de films d'action... comme s'il venait d'une autre planète, et en viennent carrément à la transcription d'un micro-trottoir ! Ceci dit, on y trouve quelques perles comme celle qui suit, p287 : « Comment Stallone fait-il pour ramasser autant de fric avec des films si nuls ? Peut-être qu'ils ne le sont pas, (...) tout simplement ! ».

Sans aller jusque là, on peut reconnaître quelques mérites au genre, comme ceux évoqués plus haut au sujet du film qui nous préoccupe, Commando. A quand une série de livres écrits par une personne respectant le cinéma d'action pour ce qu'il est ?

Comme James Bond, comme XIII (mini-série en passe de devenir culte et en cours de production-diffusion sur canal +), comme beaucoup de films d'actions contemporains, le Largo Winch de Jérôme Salle lorgne avec ostentation vers la saga des Bourne. Normal, c'est la mode en ce moment, c'est ce qui marche le mieux, c'est la hype du moment. Ça a beau m'énerver un peu, étant un grand fan des Bourne, je n'ai rien contre l'idée d'en voir un autre, même s'il n'est pas de sang pur. J'ai par exemple adoré voir Quantum of Solace, même si les similitudes avec the Bourne Ultimatum y étaient tellement criardes que ça en devenait presque honteux. 

Je ne cracherai jamais sur l'idée de voir un nouveau Bourne, c'est sûr. Mais faut pas pousser non plus : Jérôme Salle n'est pas Marc Forster, et il est encore moins Paul Greengrass. C'est le mec qui n'a qu'un pauvre Anthony Zimmer à son actif, autrement dit pas grand-chose d'intéressant filmiquement. Dans la grande tradition des faiseurs-suiveurs, il se contente de reproduire les gimmicks scénaristiques et de mise en scène de ses œuvres de référence, sans être capable d'y introduire une âme. Le résultat est malheureusement abyssalement vide. 

En premier lieu, LW reprend le concept de la recherche d'identité si chère à Bourne. D'aucuns avanceront que c'est une quête que l'on trouve déjà dans la BD et les bouquins, à l'origine du personnage. Mais Van Hamme, l'auteur des deux, n'a jamais caché son obsession pour la saga des Bourne, qui sous-tend l'ensemble de son œuvre (action, secrets, recherche d'identité, jolies pépées, que l'on retrouve dans LW et dans XIII). Alors, même si le pompage de l'idée est indirect, cela reste du pompage. 

En second lieu, Salle a décidé de « faire du Bourne », autrement dit sortir sa caméra à l'épaule et la secouer allègrement pendant que les acteurs se foutent sur la gueule, et de s'arranger au montage après. A priori, si on se contente de regarder superficiellement les épisodes de Bourne, c'est effectivement comme ça que ça fonctionne. Mais en fait, ô surprise : NON ! C'est un peu plus finaud que ça ! Liman, puis Greengrass, ont travaillé dans une seule et même direction : rendre l'action viscérale. Faire en sorte que la caméra ne sache jamais à l'avance ce qui va se dérouler devant elle de manière à devoir chercher son cadre dans des conditions de pur reportage. Développer (et c'est bien là le plus difficile dans ce genre de film) toutes les étapes de la construction des prémisses de l'action avant qu'elle n'éclate, plutôt que de se contenter de placer des ellipses bien pratiques pour s'éviter trop de complications... une démarche qui paraît simple lorsque c'est un roi de la mise en scène comme Greengrass qui est aux commandes, mais qui n'est pas si facile à reproduire lorsqu'on est un simple tâcheron. Pour résumer, Salle n'a retenu qu'une chose de la mise en scène des Bourne : la caméra à l'épaule.  Il filme donc ses combats comme il aurait filmé n'importe quel autre combat, sans chercher à créer la sensation d'inattendu, sans créer d'urgence, sans prendre la peine ni le temps de construire en détail son action. Mais attention : il REMUE LA CAMERA ! Alors on est content. On ne comprend pas la moitié de ce qui se passe quand Largo se bat, c'est illisible, et tout ça sans autre but que « donner la pêche » à des images somme toute très classiques. Excusez si je m'ennuie devant un truc pareil. 

La troisième erreur fondamentale des créateurs de LW sur ce film est le casting. Le casting, le casting, le casting. Oui, Tomer Sisley il est beau, oui, Tomer Sisley il a du charisme, oui, Tomer Sisley il était super bien pendant sa minute et demie de présence à l'écran dans Truands (ça reste d'ailleurs plus ou moins mon unique souvenir de ce très mauvais film). Mais Tomer Sisley, quelqu'un l'a-t-il remarqué, NE SAIT PAS JOUER ! Il ne sait même pas marcher sur une plage sans avoir l'air de se la péter, c'est pathétique ! Regarder ce pauvre simili acteur rouler des mécaniques en essayant de se donner l'air modeste pendant deux heures a vraiment été l'épreuve la plus difficile à supporter au visionnage de Largo Winch. Les créateurs du film se vantent partout d'avoir trouvé un acteur qui ne corresponde pas physiquement au personnage de la BD, mais qui correspond intrinsèquement au personnage, et bla-bla-bla, mais ils ont oublié de vérifier si leur bonhomme était capable de porter un film entier sur ses épaules. Dommage, quand même ! 

Largo Winch, je dois l'avouer, n'est pas une déception, puisque je n'en attendais rien. C'est un héros qui ne m'a jamais intéressé, je trouvais la BD ennuyeuse, la série TV indigente, et je n'ai jamais lu les romans. Je me disais même que de transformer un concept aussi chiant en film d'action pourrait éventuellement ajouter quelques ingrédients intéressants à une recette profondément ennuyeuse. J'avais tort, ça reste profondément chiant. D'autant que suivre pendant deux heures les tribulations d'un personnage qui cherche à retrouver les traces de ses milliards perdus a quelque chose d'indécent dans le contexte économique actuel. (Ceci dit, je trouvais déjà ça indécent dans la BD, bien avant la crise). 

Ne nous faisons pas d'illusions, les financiers n'ont probablement accepté de lâcher le pognon pour LW qu'à cause des grosses similitudes que la note d'intention entretient avec un certain Bourne au succès cinématographique stratosphérique. Le résultat est faux, mal joué, et profondément idiot. Ça me rappelle les multiples tentatives de « faire du Tarantino » qui se sont multipliées dans les années 90, qui se sont toutes soldées par de cuisants échecs : les films n'avaient pas une once de l'âme de l'original, et en plus ils étaient mal foutus. 

C'est le triste sort que partage avec eux ce Largo Winch.

Mimic m'a laissé complètement froid, mais on sait que les producteurs se sont amusés à mettre des bâtons dans les roues de Guillermo, alors ce film compte pour rien. 

Heureusement qu'il fit l'échine du diable, un film de fantôme capable d'harmoniser le fond et la forme de son récit à un tel niveau de perfection qu'il se place très haut dans la liste des chef d'oeuvres du cinéma d'horreur, aux côtés de the Thing et du plus récent The mist. Une perle.

Vint alors Blade 2 : trés intéressant par certains côtés (les reapers, les décors, la lumière, les extentions numériques sur certains plans de combat), il pêchait sérieusement par d'autres (le scénario, surtout). Le film ne délivrait qu'une partie du plaisir promis à cause de long tunnels scénaristiquement mous.  Mais c'était un film de commande, alors ce n'était pas entièrement la faute de Del toro.

Suivit Hellboy, le film le plus désiré par son auteur. Donc le nôtre aussi. Un film dont tous les aspects esthétiques sont poussés à la perfection, mais dont le scénario accumule les tares, les clichés, les personnages caricaturaux et inutiles, et les situations mal amenées.  Ma politique étant de toujours laisser au moins une seconde chance aux films bourrins pour me convaincre, je l'ai revu. Trois fois depuis 2003 (je suis  persévérant pour ce genre de chose). A chaque fois, le même sentiment d'inabouti m'a assailli. Hellboy m'a fait exactement le même effet que les autres films de Del Toro, (à l'exception échine du diable près) : celui d'un pétard mouillé.  

Enfin sortit  le labyrinthe de pan, "son chef-d'oeuvre", à en croire les critiques du monde entier. Rebelote: je le vois, et je trouve ce film d'un ennui et d'une maladresse à faire pâlir le pire tâcheron !  Impossible de me connecter ne serait-ce qu'un instant à cette histoire caricaturale, voulant être un conte sans en avoir le souffle. Alors oui, les monstres sont superbes. Oui, la lumière est belle. Mais les monstres et la lumière, c'est comme les effets spéciaux: ça ne fait pas tout un film! Je n'en revenais pas que les gens puissent reprocher à tout un tas de films bourrins de n'être qu'un assemblage d'effets spéciaux et de bruitages, et ne pas voir que le labyrinthe de pan manquait exactement des mêmes ingrédients que les oeuvres qu'ils critiquent!

Le bilan n'est pas trés reluisant... J'ai fini par avoir l'impression que toutes les critiques positives émises sur Del Toro résultaient d'un effet de mode, qui finirait par se dégonfler comme une baudruche. A part l'échine du diable, aucun de ses films ne semblait mériter une passion particulière...  Pourtant, de par le monde, la réputation du bonhomme allait grandissant. J'étais frustré de rester sur le bord de la route, et de pas être capable d'attraper ce train: Après tout, si le gros Guillermo était effectivement un bon réalisateur, je voulais en être conscient aussi, bordel! Alors j'ai encore revu Hellboy. Lors de ce quatrième visionnage, j'ai commencé à entrevoir ce qui faisait l'intérêt du film, cette imagerie particulière, cet amour immodéré pour les monstres et cet humour particulier qui font la marque de Del Toro. Et surtout, cette manière de filmer, très léchée, chorégraphiée, à des années lumières de ce qui se fait depuis 7 ou 8 ans dans le cinéma à grand spectacle, où l'on a fini par ne pratiquer que la caméra à l'épaule pour donner de l'énergie à l'image. Dans Hellboy, l'énergie vient de la capacité du réalisateur à sublimer son image par les mouvements qu'il lui imprime. Des mouvements tout ce qu'il y a de plus calculés, ce qui leur donne toute leur valeur. Restait que pour accepter ça, il a fallu que j'occulte les personnages secondaires ridicules et les nombreux clichés du scénario.

Et ben! Après toutes ces années d'incompréhension, il ne me restait plus qu'à aller voir Hellboy 2, qui était en passe de sortir. La bande annonce faisait terriblement envie, comme toutes les bandes annonces de tous les films de Del Toro. Mais je craignais tout de même n'avoir qu'une impression mi-figue, mi-raisin en sortant de la salle, comme à chaque fois.

Quelle ne fut pas ma surprise! C'est bien simple: j'ai vu Hellboy2 avec un sourire jusqu'aux oreilles, de la première à la dernière minute! L'impression de voir LE chef d'oeuvre méconnu de l'année! Une capacité inédite à mélanger de manière harmonieuse le développement des personnages et les scènes d'action over-the-top! Une galerie de monstres totalement fascinante! La liste des qualités de ce film est difficile à tenir tellement il contient de belles choses. L'utilisation parcimonieuse des effets spéciaux numériques au profit des effets de plateau donne une authenticité à ces monstres que l'on n'avait pas vue depuis longtemps au cinéma. Le sens du spectacle et de la chorégraphie de Del Toro explose à toutes les séquences, pour culminer dans la grosse baston finale contre la fameuse légion d'or. Et surtout, bien plus que dans tous ses autres films à mon avis, Guillermo fait preuve d'un sens du merveilleux absolument fascinant, qui vous emporte dès la scène d'introduction.

Hellboy 2 a réussi l'exploit de me réconcilier avec le bonhomme: Guillermo Del Toro est un très grand réalisateur, il me l'a prouvé avec cet opus. Il est en ce moment en pleine possession de ses moyens, il ne reste plus qu'à espérer que cela dure longtemps. En tout cas, ça augure du meilleur pour "The hobbit". Espérons que le réalisateur soit dans la même phase que John Carpenter au début des années 80, qui nous alignait deux chef d'oeuvres absolus d'affilée (Escape from new york et The thing). Pour ma part, je rêve d'un troisième Hellboy, surtout s'il développe la sous intrigue de la fin des temps, annoncée au cours d'une savoureuse scène de l'opus 2008.

Mais je ne reverrai pas Le labyrinthe de pan avant un bail. Faut pas pousser, quand même.

Et pourtant! Car en voyant la bande annonce, on pouvait s'attendre tout de même à un film pas trop mal troussé, aux effets spéciaux un peu inspirés de Constantine, mais donnant une ambiance particulière au métrage. Au détour des 30 secondes de la BA, on pouvait sentir pointer quelques fusillades, quelques monstres, de la haine, de la baston, une ambiance bien sombre bien qu'un peu artificielle. De quoi faire une bonne série B, quoi!

Hélas! Je ne peux vous donner qu'un seul conseil: si vous voulez avoir un aperçu agréable de ce qu'aurait pu être Max Payne s'il avait été un bon film, contentez vous de regarder la bande annonce! Car TOUS les bons moments du film sont intégralement coupés-collés dans la bande-annonce. Absolument tous. Le visionnage du film est une vraie torture: imaginez les 30s de la bande annonce étirés sur 1h30, imaginez qu'un plan toutes des 5 minutes est intéressant, et que le vide entre ces plans est comblé avec... rien, et vous aurez un aperçu plutôt réaliste de l'ennui mortel qui s'empare du spectateur devant Max Payne.

Du coup, je renonce à critiquer le jeu falot de Wahlberg, qui a quand même dû se rendre compte à un moment pendant le tournage qu'il n'y avait plus aucun espoir à placer sur ce film, je renonce à rire de la contre-performance ridicule d'Olga Kurylenko (heureusement qu'on ne la voit que 10 minutes!), et j'abandonne à l'idée de devoir dire quelque chose à propos de Mila Kunis, la gamine de 12 ans qui a sûrement triché sur son âge en ajoutant une bonne dizaine d'années à son curriculum...

Max Payne est une bouse, et me laisse froid.