A lire APRES avoir vu le film!!!
(Ce qui suit est plus une réflexion (qui a dit branlette!!?) sur certains thèmes du film qu'une critique, et en laisse donc certains aspects, formels surtout, de côté).
The signal est un premier film, tourné de façon indépendante avec les moyens du bord, et qui a généré autour de lui un (plus ou moins) gros buzz, notamment en faisant la tournée des festivals de par le monde.
Des caractéristiques qui pourraient laisser lamateur de ciné d'horreur méfiant, échaudé qu'il a pu être par ses nombreux espoirs déçus. En effet, régulièrement, encore plus avec internet et les forums, se pointe un film sorti de nulle part, que très peu ont vu, et qu'on nous vend comme une énorme claque.Las, bien souvent, laqualité de ce genre de films ne vaut pas le battage qui les entoure(certes il y a des exceptions, cf «Tokyo Gore Police!!!). Quand en plus il s'agit d'un premier film, le buzz n'en est qu'amplifié, puisque cela renforce le côté «», que l'on n'a aucune info sur le réalisateur, ni aucun travail antérieur auquel se référer pour avoir un premier sentiment sur le film.
Sauf que cette fois, ô miracle, c'est à un vrai bon film que nous avons affaire ici! (Je n'y peux rien, lorsque j'ai pensé petit-film-sorti-de-nulle-part-précédé-d'une-grosse-réputation qui s'avère être un gros pétard mouillé, c'est le film de maitre Roth qui m'est venu à l'esprit. D'ailleurs, le rapprochement ne s'arrête pas là, puisque le pitch de «» rappelle énormément le «» de Stephen King, dont Roth prépare l'adaptation officielle).
Attention, il ne s'agit pas non d'un coup de maître comme ont pu être en leur temps «». «» ne deviendra sûrement pas culte, ne fera peut-être pas office de référence absolue, mais il peut en remontrer à bien des films tournés avec un budget 30 fois supérieur par un réalisateur exécutant, qui tourne les projets qu'on lui soumet en simple metteur en forme. Ici, c'est la passion qui guide les trois réals (des fan boys à n'en pas douter, voir les clins d'oeil à «New York 1997», «», «» et au cinoche d'exploitation en général) et s'il est vrai que cela n'a en soi aucune influence sur la qualité du film (quoique...) cela donne une raison supplémentaire de le défendre.
"The signal"est divisé en trois parties, abordant chacune un style différent (1er segment: Dave Bruckner, 2ème: Jacob Gentry, 3ème: Dan Bush).C'était audacieux, ça se révèle très efficace, chaque partie s'intégrant parfaitement à l'ensemble tout en présentant chacune une façon d'aborder le cinéma d'horreur (réaliste, burlesque, atmosphérique), et en gardant une unité dans le style visuel, mais surtout dans les thèmes.
Les trois amis réalisateurs sont également plutôt doués avec une caméra, et même si on sent parfois le manque de moyens, le film est parsemé de bonnes idées, de plans et de séquences esthétiquement marquants.
CRAZY IN LOVE
Le film est avant tout une histoire d'amour, et conséquence de cela, de jalousie (cf les titres des deux premières partiescrazy in love»). Une histoire d'amour magnifique et pourtant (ou parce que) tellement simple. Les réalisateurs (le premier surtout) font preuve d'une grande subtilité pour nous la raconter. Pas besoin d'en faire des tonnes, pas besoin de violons pour créer une émotion artificielle. Une scène nous montrant les deux amants se séparant en se promettant de se retrouver très vite pour commencer ensemble une nouvelle vie. Quelques flash-backs remplis de sourires amoureux entre deux scènes de violence. Un CD offert à l'héroïne par celui qu'elle aime, comme un talisman qui la protège du signal. Il n'en faut pas plus pour comprendre et ressentir leur relation.
"» est également un film porteur d'un message, ou tout du moins d'un témoignage sur l'époque. Comme tout film fantastique portant un regard sur la société,il est un miroir de celle-ci, l'élément fantastique venant apporter le décalage permettant la critique.
CONTE DE LA FOLIE ORDINAIRE
Les réalisateurs/scénaristes laissent planer un doute quant au signal: ils jouent avec le spectateur, le laissant dans un état constant deperplexité et de confusion quant à savoir qui est "infecté" et qui ne l'est pas.
Quand Mya rentre chez elle, le couloir est rempli de gens agités, beaucoup semblant s'engueuler. Elle note que c'est étrange, mais la frontière de l'anormal n'est pas franchie. Le signal commence-t-il déja à faire effet, ou est-ce juste un exemple de la «folie ordinaire»? Plus généralement tout au long du film, tous ces gens s'adonnant au meurtre ont-ils "the crazy", ou profitent-ils (consciemment ou inconsciemment) du chaos ambiant et de «» du signal pour laisser leurs penchants violents s'exprimer? Dans la voiture, le black est-ilatteint? Perd-il la tête, soudainement, à cause du signal, ou simplement à cause de ce qu'il a vécu?
Les accès de violence dont nous sommes témoins dans le film n'ont pour la plupart rien de fantastique. Ils sont plausibles et pourraient très bien avoir lieu dans la réalité, sans pour autant que l'agresseur ne soit rendu fou par un quelconque signal. C'est une grosse différence avec un film comme «28 weeks later», auquel il est souvent comparé, et qui lui oeuvre clairement dans la science fiction.
Deux exemples, outre le passage du couloir. Lorsque le mari (Lewis) frappe l'amant de sa femme (Ben), il est certes sous l'emprise du signal, mais les journaux ne sont-ils pasremplis de faits divers relatant comment un homme trompé a agressé voire tué son rival. Plus évident encore, lorsque l'on voit Lewis s'en prendre à son ami, on a l'impression de voir un homme stressé (il ne sait pas où est sa femme, sa télé ne marche plus), fatigué (il porte toujours son vêtement de travail) qui, exaspéré par le manège de son ami, craque nerveusement et trouve un prétexte pour s'en prendre à lui («»). Là encore le genre de scènes auquel on peut assister tous les jours.
Dans leurs attitudes comme dans leurs actes, on ne peut jamais affirmer avec certitude si tel ou tel personnage est victime d'une manipulation extérieure, ou si ses accès de violence ne sont que la libération de pulsions qu'il porte en lui. Cette confusion est d'ailleurs illustrée par la scène du toit, où l'ami de Lewis tue un homme qui, l'ayant pris pour un infecté,l'a frappé avec un marteau.
Et finalement, la réponse n'a pas tellement d'importance, puisque se poser la question, faire la confusion entre «» et normaux, c'est constater que leur attitude est la même, et ainsi reconnaitre qu'un homme «» peut s'adonner à la violence la plus démente. Finalement, ce signal existe-t-il vraiment? A-t-il véritablement un effet sur les personnages
"Crazy in love» nous présente, de façon inquiétante, une société à la violence larvée. Le signal y représente finalement les tensions latentes, les exaspérations, et les petits riens qui laissentcette violence et la colère prendre le dessus.
Pour autant, le film ne donne pas de leçons, il n'est pas moralisateur. En nous montrant des personnes en apparence normales se livrer à la barbarie, en nous faisant douter sur les raisons qui poussent à cette barbarie, il se veut juste le reflet de notre société. "The signal", ou un conte sur la folie et la violence ordinaire.
L'ENFER, C'EST LES AUTRES
Premier constat donc: cette violence que nous porterions en nous. S'il est le plus évident dans le film, il n'est pas le seul. "The jealousy monster", le deuxième segment, poursuit dans la voie tracée par "Crazy in love" mais vient également, sous ses atours humoristiques, enrichir le propos.
Au-delà de la violence sous-jacente aux rapports humains, «» est présenté comme un obstacle au bonheur. Les propos de Lewis - qui», la représentation humaine de ce reflet exagéré de notre société - sont très révélateurs: «Vous étiez obligé de tuer ces gens. Ils vous empêchaient d'être heureux». Un nouvel élément vient ainsi s'ajouter àla description: la violence que nous portons en nous est libérée pour nous débarrasser d'autrui, obstacle à notre bonheur. «Pour vivre heureux, vivons cachésl'enfer, c'est les autres», "la liberté des uns commence où finit celle des autres"...Autant de citations quiaccréditent l'idéeelle une violence et une tension entre individus, contraints à cohabiter. Ce qui permet cette cohabitation, c'est la civilisation et les règles qu'elle impose. En libérant la violence, le signal fait voler en éclat ces règles, et donne un moyen radical d'atteindre son but (le bonheur) en se débarrassant d'autrui.
Ce constat est plus effrayant encore si on le rapproche des propos tenus par l'ami de Lewis à Mya: "Au début, j'ai cru que c'était des meurtres au hasard. Mais en fait ils réfléchissent. C'est rationnel, ils savent ce qu'ils font, pour eux c'est logique". Le signal ne rendrait donc pas fou, mais léverait seulement l'obstacle psychologique qui empêche à un être normal de suivre ladite logique.
FAIRE BONNE FIGURE
Cependant, la civilisation, les règles qui commandent aux relations sociales, ne sont elles-mêmes pas épargnées. Avec le brillant numéro de voisine idéale livrée par l'hôtesse da la soirée de réveillon, le film épingle une autre tare de notre société: l'hypocrisie au quotidien et surtout, le souci de toujours faire bonne figure. A présent, c'est le «qu'en dira-t-on», le souci de ne pas faire de vagues afin de ne pas être jugé, bref la norme, qui est pointé du doigt. On revient au thème de l'influence parasytaire d'autrui dans la recherche de son propre bonheur soit on suit son instinct naturel et on élimine l'obstacle en faisant disparaitre l'autre par la violence soit on adapte son comportement à l'autre, sanslui porter atteinte physiquement.
UN AUTRE MONDE EST POSSIBLE
Autre cible du: le matraquage publicitaire. Cet aspect semble évident. Presque trop évident. Pourtant le fait est là: un signal qui s'introduit dans le quotidien des gens, en leur disant quoi faire, de quoi ils ont envie, ce qui les rendra heureux... Difficile de ne pas rapprocher cela de l'impact recherché par la publicité, quelle qu'elle soit. Cela est même très explicite dans le filmle signal te dit quoi penser et quoi vouloirmême assimiler le signal non seulement à la pub, mais plus généralement à la communication et à la manipulation de celle-ci.
Lorsque, à la fin du film, Ben fixe les écrans de télévision, il est alors persuadé que Mya est effectivement sa femme. Le signal lui fait croire que ce qu'il souhaite plus que tout est devenu réalité. On a même l'impression que Ben s'immerge volontairement dans le signal car il sait qu'il va y trouver une illusion qui va le rendre plus confiant et plus fort. Il se laisse manipuler, car cela rend pour lui les choses plus faciles, même s'il est conscient que ce n'est pas la réalité.
Cette idée de se laisser duper par une puissance supérieure pour pouvoir mener une vie plus paisible est, de Aldous Huxley à Matrix un élément incontournable des récits d'anticipation.
Alors, «The signal», film alter-mondialiste? Cela peut faire sourire, et pourtant, Ben à Clarkau-delà du bruit dans ta tête, il y a le monde réel.», puis plus tard: "Si on change notre regard sur les choses, les choses que l'on regarde changent". Tout cela sonne quand même très «un autre monde est possible»...Quant à "C'est un mensonge. Le signal est un piége", cela rappelle carrément un certain "on vous ment, on vous spollie"!
Ben est la voix de ceux qui voient au delà du signal. Au contraire,dans l'opposition continuelle entre Ben et Lewis, ce dernier se révéle très attaché aux choses matérielles: "We have a good life, a house. It's precious" (très "bon pére de famille" pour le coup)et surtout trois lignes qui reflétent parfaitement certains thémes du film: "Il me dit ce que je dois faire, ce que je veux. Je veux ma femme, je veux mon appart. Et je veux que vous arrétiez tous de nous embêter."
Anoter aussi,la première version du film,sur le CD qu'écoute Mya, est enregistrée une» interprétée par Ben. Plutôt que d'acheter le CD dans le commerce, Ben a enregistré SA version, avec ses défauts, mais aussi tellement plus personnelle. Le fait que ce soit cette chanson, enregistrée par une personne à l'intention exclusived'une seule autre, qui protége Mya du signal est d'autant plus émouvant.
Pour des raisons de droits (bassement mercantiles!!), cette reprise n'a finalement pas pu être conservée au final...
TOUS LES MEMES...
On l'a dit, "The signal" ne se veut pas moraliste. Et pour cause, il met tout le monde dans le même sac, délivrant au final un constat assez pessimiste sur la condition humaine (oui, le terme est pompeux, masi c'est bien de cela qu'il s'agit). Le phénomène de confusion présent depuis le début du film va trouver un aboutissement, se matérialiser,dans la scène finale, où Lewis devient Ben, et Ben devient Lewis. Répétons le, le film repose en grande aprtie sur la confusion:confusion entre sains et infectés, puis confusion entre désir et réalité et partant, confusion entre individus (l'hôtesse devient Mya aux yeux de Lewis, Clark devientson mari mort aux yeux de l'hôtesse), pour aboutir à une confusion entre les personnages les plus extrèmes. Le gentil devient le méchant et vice versa, et par cette inversion des valeurs, le message délivré devient valable pour tous. Même le héros, le nice guy (et à travers lui le spectateur qui s'identifie à lui) peut céder à ses pulsions (cf la scène où il fantasme qu'il explose le crane de Lewis). Preuve supplémentaire que le film est un constat et non un jugement, ce passage du côté obscur de la part de Ben n'est pas condamné. Il apparaît même comme logique au vu de ce qui précéde. Ainsi pour récupérer celle qu'il aime, Ben se livre volontairement au Signal en se plongeant dans les écrans de la gare. Il laisse la violence s'emparer de lui pour se débarasser de l'obstcale Lewis, avant de redevenir lui-même et d'avoir une chance de vivre son amour.
Peut être que les réalisateurs n'ont jamais voulu délivrer de message avec ce film (en tout cas pas consciemment). Pourtant, "The signal" posséde bien de nombreuses significations, et de façon assez évidente il me semble.Un film peut échapper à son auteur, ce qui implique d'une part qu'il peut y imprimer inconsciemment des choses qu'il a en lui, et d'autre part que le film peut librement devenir ce que le spectateur veut y voir.
Et puis merde, dépasser son simple statut de distraction, pour être un reflet, si possible critique, de la société; n'était-ce pas la mission du ciné d'horreur à une époque?
Au debut des annees 60, Monte Hellman et Jack Nicholson sont tous deux des poulains de l'ecurie Roger Corman, le specialiste des series B produites vite, pour pas cher, et qui peuvent (doivent) rapporter gros.
Les deux hommes collaborent d'ailleurs sur trois des quatre premieres realisations de Hellman, tournes dans la foulee. En profitant pleinement de cette liberte (a tel point que Corman n'appreciera pas du tout les films et les vendra directement a la television, Hellman devant en racheter les droits quelques annees plus tard pour pouvoir les distribuer en salles), le realisateur se pose ainsi pour certains comme l'un des peres du cinema independant americain.
L'histoire: la fuite.
Des l'ouverture du film, on peut concevoir que Mr Corman n'ait pas apprecie ce qu'il voyait a l'ecran y est resolument anti-spectaculaire. Depouillee, sans fioritures, on est bien loin des cliches de l'attaque de diligence des westerns de l'age d'or hollywoodien. Ici, pas de cavalcades, le chariot est immobilise, le forfait accompli en a peine deux minutes, et les bandits s'en retournent d'ou ils viennent le plus tranquillement du monde. Puis vient un generique lui encore on ne peut plus simple, constitue d'une succession de gros plans sur les differents elements de la diligence.
En quelques minutes, deux constatations s'imposent.
Tout d'abord, en en dejouant les codes, le genre. Mais en ce debut d'annees 60, le western "a l'ancienne" est plutot moribond.
Deuxieme constatation ce vieillard cognant inlassablement sur une souche tel un automate, ces deux preneurs d'otages jouant aux dames tandis que leurs prisonnieres vaquent a leurs taches menageres comme si de rien n'etait. Mais c'est surtout le rythme donne par Hellman a son film, lancinant, envoutant, qui vient renforcer cette impression. Perdus au milieu de paysage desertiques ou coupes de l'exterieur dans de minuscules habitations, le temps semble s'etre arrete pour les heros.
La structure du recit est d'ailleurs interessante, puisque celui-ci s'ouvre et se ferme sur des scenes montrant les personnages cloitres dans ces petites cabanes, creant un contraste frappant avec les grands espaces environnants. Entre les deux, la fuite, la ruee en avant pour echapper aux poursuivants, une cavalcade ininterrompue, et pourtant les personnages donnent l'impression de ne pas progresser. Cette course etrange demarre et s'acheve dans l'une de ces petites maisons, comme si elles constituaient les deux balanciers garantissant l'equilibre du recit. A force de courir, les fuyards seraient-ils revenus a leur point de depart: une atmosphere de mefiance reciproque en presence des hors la loi au debut du film, que l'on retrouve face a la famille de fermiers en fin de metrage.
Ces deux , et il songe a acquerir son propre ranch. On est donc face a des hommes qui cherchent leur place, et qui vont etre confrontes a deux choix de vie opposes. Et face a chacun de ces modeles, c'est avant tout de la mefiance qu'ils vont eprouver. Vu sous cet angle, leur fuite peut alors prendre des airs de quete de soi-meme.
Enfin, il faut bien sur parler du dernier element capital de l'histoire et elle est plus effrayee par l'idee d'enfreindre les regles de la maison que par les hommes qui la retiennent en otage).
Au final, "l'ouragan de la vengenace" est un de ces films quel'on prend autant de plaisir a regarder qu'a y reflechir par la suite. Un film ou l'on sent que derriere les images et l'action, se cache une reflexion, une demarche que l'on ne saisit aps forcement immediatement.
Loin d'etre un chef d'oeuvre, il reste un film tres interessant, recellant une part de mystere, et qui temoigne egalement d'une faon de faire des films aujourd'hui revolue.
Toujours dans le cadre du cycle "Cinema Japonais" initie par wildgrounds, je poste ici un interview realise lors du Festival International de Clermont-Ferrand, et deja publie sur le site www.asiexpo.com. Il fait partie d'une serie de cinq entretiens avec des personnalites du court-metrage en Asie, et visant a donner un panorama de la situation de la discipline dans cette region.
Pour le Japon, ce sont Toshiya Kubo, directeur du Festival du Court Metrage de Sapporo, et Tai Murayama, vice president de MTV Networks Japan, qui ont repondu a nos questions.
Pouvez-vous nous presenter le Festival du Court Metrage de Sapporo ?Le festival celebre en septembre son troisieme anniversaire. Nous avons trois competitions : une competition nationale, une competition internationale, et une competition entre realisateurs. Cette derniere est la particularite de notre festival : on y recompense non pas un film, mais un realisateur, pour l'ensemble de son travail. Chaque realisateur decide lui-meme des films qu'il souhaite presenter, et c'est sur cette retrospective qu'il est juge. Nous sommes partis du constat que dans les festivals, c'est le film plus que l'auteur qui est recompense. Avec cette competition plus prestigieuse, et bien sur plus valorisante pour les realisateurs, nous souhaitons mettre le realisateur, en tant qu'artiste, en avant. L'idee d'une competition dediee aux films et d'une autre consacree aux cineastes nous est venue de l'industrie musicale. En quelque sorte, la premiere competition presente des singles, tandis que la seconde presente un album complet. Nous avons egalement un marche du film consequent, et nous organisons un maximum de rencontres entre le public et les realisateurs. D'ou provient l'argent vous permettant d'organiser le festival ? Nous recevons de l'aide de la ville de Sapporo, et petit a petit, des sponsors prives viennent egalement nous financer. Etes-vous satisfait des deux premieres editions ? Ont-elles ete un succes ? Oui, nous sommes assez contents, nous avons plus de 8 000 spectateurs sur cinq jours chaque annee. En terme d'affluence, c'est le premier festival de courts metrages au Japon, et le huitieme festival de cinema en general. Vous pensez qu'il existe un reel interet pour le court metrage au Japon ? Au Japon, le Short Short Festival de Tokyo existe depuis une dizaine d'annees. Nous travaillons avec eux depuis la seconde edition, en projetant a Sapporo des films primes lors de leur festival. Apres 6 ou 7 ans, nous avons donc decide de creer notre propre manifestation, afin d'avoir un plus grand controle sur la programmation, et d'organiser les choses a notre faon, d'etre independants. Nous savions qu'il existait a Sapporo un public pour le court metrage. De plus, aujourd'hui, les courts metrages sont de plus en plus differents, de plus en plus creatifs, les gens les voient comme quelque chose de nouveau, et il existe une vraie demande, peut etre meme commerciale, pour ce format. Le marche du film de Sapporo est le seul qui soit consacre aux courts metrages, mais de plus en plus de compagnies (des operateurs de mobiles, des chaines de television, des compagnies aeriennes...) se montrent interessees.
Comment le court metrage est-il peru au Japon ? Est-il vu comme un hobby, un moyen de se faire la main avant de passer au long, ou au contraire comme une forme d'art a part entiere ? Au Japon, on apprecie les courts metrages, notamment parce qu'en y consacrant le meme temps qu'a un long metrage, ils peuvent voir de nombreux styles differents. Le succes est donc la, mais les courts sont plus vus comme une distraction. Pour beaucoup, court metrage signifie amateurisme. Ils ne realisent pas que certains films, comme Usavitch sont produits de faon professionnelle, et que derriere ces trois minutes de film, il y a un enorme travail. Il faut du temps pour qu'une nouvelle discipline soit reconnue comme une forme d'art, et le court metrage n'en est pas encore la au Japon. Je pense que la majorite des realisateurs de court ont dans l'idee de passer au long des que possible, et voient surtout ce format comme un entrainement et une faon de montrer leur talent. Le probleme est qu'au jour d'aujourd'hui, il n'y a pas beaucoup d'argent dans le court metrage, il est donc difficile d'y faire carriere ! Quel style a le plus de succes dans le court metrage ? Qu'est-ce que le public a envie de voir ? Il y a la encore un parallele avec la musique. En general, c'est la mauvaise musique qui se vend le mieux, tandis que la bonne musique ne marche pas tres bien (rires). C'est pareil avec les courts : certains sont tres bons, mais tres difficiles d'acces, et n'ont donc pas vraiment de succes aupres du grand public. Ceci dit, il est important que le genre soit tres varie, nous avons besoin de styles differents : des films d'etudiants, de professionnels, de l'animation, des documentaires... tout comme il est important qu'il existe des styles de musique differents !
Pensez-vous qu'il existe une touche japonaise dans les courts metrages ? Un style, ou des themes qui reviennent regulierement ?Je pense que l'animation est un style typiquement japonais ! Traditionnellement, c'est un genre tres populaire au Japon, de plus, il necessite moins de moyens que les films live. Avec un simple PC, quelqu'un de talentueux est capable de realiser son court metrage d'animation depuis sa chambre ! J'ai ete surpris de constater en selectionnant les courts metrages pour le festival de Lyon que nous ne recevions finalement que peu de films en provenance du Japon. Beaucoup moins en tout cas que de pays comme la Coree par exemple. Comment l'expliquez-vous ? Ce n'est qu'une question d'argent. L'industrie du cinema est en bonne sante en Coree. Ils ont des structures solides, de gros studios, de grandes ecoles, et ils reinvestissent leur argent, y compris dans les courts metrages. Le systeme est tres different au Japon. Il n'existe qu'une ecole publique, les autres sont des ecoles privees onereuses ou il est difficile d'entrer. Pourtant, il est difficile d'acceder aux metiers du cinema sans passer par ces ecoles. C'est un systeme complexe. Le fait d'aller etudier le cinema a l'etranger est egalement limite, car peu de japonais savent parler anglais. Existe-t-il un reseau, une communaute autour du court metrage ? Non, pas vraiment. Internet permet aux realisateurs d'etre en contact et de creer un cyber reseau, mais tout cela manque de concret. En matiere de vie artistique, le Japon est tres faible. Il y a peu d'initiatives, de structures de type associatif. Nous faisons la confusion entre art et divertissement. Au Japon, c'est l'aspect commercial qui prime. Pour qu'une forme d'art puisse se developper, il faut aussi qu'elle soit rentable. Le contexte japonais est tres particulier. Si le succes est au rendez-vous, l'argent suivra, et ainsi le court metrage pourra plus facilement se developper. C'est pourquoi il est important que des films japonais soient projetes dans les differents festivals internationaux, ou que des gens comme vous s'y interessent. Si les japonais voient que la production de leur pays suscite l'interet a l'etranger, ils vont comprendre qu'il y a la un potentiel economique (rires) !
Qui realise des courts metrages au Japon ? S'agit-il essentiellement de films realises par des etudiants ?Pour donner un ordre d'idee, disons que 5 a 10 % des films sont realises par des professionnels, generalement a des fins commerciales, 30 a 40 % par des etudiants (a titre de comparaison, pres de 60 % des courts metrages coreens sont realises par des etudiants), et le reste independamment par des cineastes amateurs. Avant de conclure, pouvez-vous nous dire un mot sur la serie Usavich ? C'est une serie mettant en scene deux lapins emprisonnes en Siberie, l'un impassible mais capable de coleres impressionnantes, l'autre doux et amateur de danse. Chaque episode dure 90 secondes et les met dans une situation inedite, racontant de faon humoristique leur vie et leurs relation avec la porte/gardien, avec un poussin qu'ils ont adopte, avec une grenouille sortie de leurs toilettes... La serie est produite par MTV Networks Japan, a destination des chaines de television et des operateurs telephoniques. Elle compte a ce jour deux saisons, et nous travaillons sur la troisieme. J'espere que vous aurez l'occasion de les decouvrir bientot en France ! Propos recueillis a l'occasion du 30e Festival International du Court Metrage de Clermont-Ferrand Fevrier 2008
Vous pouvez retrouver les autres interviews de cette serie (Amir Muhammad pour la Malaisie, Chalida Uabumrungjit pour laThailande, Yuni Hadi pour Singapour et Gina Kang pour la Coree du Sud) sur le site d'Asiexpo: www.asiexpo.com/club , rubrique "interviews".
La police enquete sur le meurtre d'un homme retrouve dans une gare de Tokyo. Leur seul indice est le mot prononce avec l'accent du Nord du Japon...
La recette de "L'ete du demon" est donc reprise ici (1): Seijo Mutsamoto pour le fond, Yoshitaro Nomura pour la mise en forme. Si dans ce dernier film, la collaboration des deux hommes etait "fusionnelle" au sens ou il etait difficile de discerner l'influence de l'un ou de l'autre sur tel ou tel element, la situation est ici differente. En effet, une des particularites du "vase de sable"est selon moi d'etre divise en deux parties bien distinctes, chacune portant la marque d'un des deux artistes. Dans la premiere moitie du film, Nomura se place en retrait, et c'est la patte du romancier que l'on distingue nettement dans cette enquete meticuleuse, ou chaque detail compte.Le spectateur est placed'entree au coeur de l'investigation, qui rebondit d'une scene a l'autre au rythme des informations glanees. Un certain aspect procedurier, ainsi que le flou dans lequel evolue les inspecteurs, donnent reellement le sentiment d'avancer a leurs cotes sur cette affaire. Le film ravira ainsi les amateurs d'intrigue policiere classique (Matsumoto touch), et serait deja tres bon s'il se cantonnait a cet aspect, l'enquete etant egalement un voyage a travers le Japon, avec une photographie et des decors naturels de toute beaute.
Mais dans la seconde partie, Nomura va depasser ce simple cadre narratif, se le reapproprier,et surprendre le spectateur en conferant au film une autre ampleur, assez inattendue au regard de ce qui precede. Il va en effet lui donner, au fil de l'explication du crime, une incroyable dimension dramatique, notamment par l'insertion de certains themes qu'il affectionne comme la cruaute de l'etre humain ou la relation pere / fils. Pendant pres d'une heure, et quasiment sans dialogues, le drame d'un homme nous est expose, tandis que, monte en parallele, celui-ci interprete au piano un concerto inspire de sa vie, et qui vient donc directement illustrer ce que l'on voit a l'ecran. Certes, ce procede peut paraitre facile, artificiel, voire mievre. Mais il demontre surtout un immense talent de cineaste, un superbe sens du montage, et il est tres difficile de ne pas se laisser emouvoir.
Un film bivalent donc une partie enquete, une partie drame; une partie qui fait appel a l'intellect, une qui fait appel aux emotions...mais surtout au final, un grand film.
(1): Pour parler chronologiquement, entre ces deux films, c'est en realite dans "l'ete du demon" que l'on retrouve la recette du "vase de sable", le premier ayant ete tourne en 1978 et le second en 1974. La premiere collaboration entre les deux hommes remonte quant a elle a 1958 avec "Harikomi".
EDIT: Dans le cadre du cycle cinema japonais, "le vase de sable" est egalement chronique par LATERNA MAGICA, qui souligne notamment l'opposition qu'opere le film entre le Japon traditionnel et le Japon moderne d'une part; le Japon des villes et celui des campagnes d'autre part. Deux themes qui confirment le caractere "a double facette" du film.
http://peterpan7bis.spaces.live.com/blog/cns!C1FB58145CFFEBE4!14162.entry
(Mieux vaut avoir vu le film , ce qui suit en devoilant quelques aspects importants)
Aaah...le Japon, ce doux pays en forme de banane (si si, un peu)...ses mangas, sa cuisine...et son cinema dont on peut regulierement decouvrir ou redecouvrir certaines perles grace au travail de gentils editeurs.
Pour ma part, j'ai ainsi pu faire la connaissance il y a quelques mois de Yoshitaro Nomura, via la sortie de deux de ses films chez Wildside. Et bien figurez-vous qu'ils m'ont tellement plu que j'avais envie d'en dire quelques mots rapides, meme s'il ne s'agit plus d'une actu toute fraiche.
Commenons avec L'ete du demon (Kichiku, 1978), film qui remportera en 1979 les recompenses de meilleur realisateur et de meilleur acteur (pour Ken Ogata) lors de l'equivalent japonais de nos Cesars.
Kikuyo eleve seule depuisles trois enfants qu'elle a eu en secret avec son amant Sokichi, homme marie et imprimeur de son etat. Lorsque celui-ci n'est plus en mesure de lui verser chaque mois une pension, Kikuyo se rend a son domicile et lui abandonne les enfants avant de disparaitre.
Ne vous fiezni au synopsys, ni au titre du film; ils sont tous les deux trompeurs.
En lisant le premier, on pourrait s'attendre a une comedie dramatique classique, dans laquelle l'epouse cocufiee et les enfants vont etre rivaux, avant de se decouvrir, d'apprendre a s'aimer et de former une nouvelle famille (final avec des violons, on verse une petite larme d'emotion, la vie est belle). Que nenni! Nomura choisit ici une approche inedite, inattendue de cette relation, beaucoup plus brutale, beaucoup plus cruelle et pessimiste, mais aussi totalement realiste.
Quant au titre franais du film, il pourrait laisser penser qu'il est ici question de surnaturel, voire d'horreur. Et la encore, que nenni! Pas au sens "sanglant" du terme en tout cas. Mais une autre horreur, encore plus terrifiante, est presente:une horreur bien reelle, ancree dans le quotidien, une horreur "domestique", dans le traitement que le couple, en particulierla femme trompee, reserve aux enfants.
Pour autant, cette horreur n'est pas visuelle, ne vous attendez pas a des scenes choc. L'ete du demon est avant tout un film d'ambiance.
Des le debut, le malaise est installe par une scene en plan large et fixe, dans laquelle la maitresse raconte a la femme trompee son aventure avec son mari, en presence de celui-ci. Le spectateur (un peu voyeur) ressent une impression de malaise devant cette situation etrange et surrealiste, ou une femme en regarde une autre droit dans les yeux pour lui raconter le plus calmement du monde comment elle est depuis plus de sept ans la victime d'une trahison au long cours. Rien que a. Et sous les yeux du mari s'il vous plait. L'atmosphere pesante ainsi creee est renforcee d'une part par le decor exigu de l'imprimerie ou se deroule la majorite du film, d'autre part par la canicule sevissant durant tout le metrage les personnages, en sueur, semblant toujours oppresses.
Cette scene clef sert aussi a nous presenterla reaction de chacun des trois personnages, et ainsi leur principal trait de caractere: une maitresse cruelle et revancharde, une epouse humiliee (ce qui la poussera a devenir a son tour cruelle et revancharde), un mari faible et honteux.
Par la suite, toute l'ambiance du film residera dans les non dits, l'atmosphere de danger, la menance qui psesera perpetuellement sur les enfants. Tout le propos du film est en effet de montrer leur fragilite face au monde et aux decisions des adultes.
Dans la premiere partie du metrage, ils ne sont jamais filmes comme l'element central d'une scene, mais toujours dans leur rapport, voire leur dependance, a l'adulte. C'est toujours ce dernier qui est sur le devant de la scene, tandis que les enfants sont la sans etre la. Ils n'apparaissent pas vraiment comme des personnages a part entiere, mais plus comme un attribut rattache a tel ou tel personnage d'adulte. Cela est flagrant dans la scene evoquee precedemment: tandis qu'au premier plan, les adultes discutent, les enfants jouent au second, sans intervenir dans l'action, quand bien meme il n'est question que d'eux. Ils sont a la fois l'objet du probleme et de la convoitise, et bien qu'ils soient innocents et gentils, ils apparaissent comme un fardeau pour les adultes, et donc constamment menaces.
Les premieres scenes centrees sur les enfants, (et donc d'ou sont absents les adultes) ne servent qu'a souligner leur abandon, leur fragilite et leur tristesse. Une image symbolique revient d'ailleurs de faon recurrente: celle ou un miroir de fete foraine renvoie d'eux une image deformee, comme pour illustrer la menace qui pese sur eux, comme si ce qu'ils allaient vivre pourraient marquer a jamais des etres si malleables, si fragiles.
Ainsi donc, les petits ne nous apparaissent que de deux fa: fardeau, ou victime.
Et qui dit victime dit bourreau. Ce role est bien sur tenu par l'epouse trompee. Celle-ci incarne plus que tout autre le demon du titre. Ou plus exactement, elle est en proie a ce demon: le demon de la jalousie, de l'orgueil blesse, le demon de la lachete, qui pousse un adulte a s'en prendre a un enfant.
Les rapports des orphelins avec elle sont ainsi tout bonnement terrifiants car elle apparait constamment menaante, voire diabolique, songeant au meilleur moyen de se debarrasser d'eux. La musique, inquietante, est d'une grande efficacite des que le spectateur l'entend, il sait que les enfants sont en danger. L'attente de ce qu'il va decouvrir, du sort de ces enfants innocents, est ainsi rendue encore plus stressante. Cette musique contraste avec celle, enfantine, que l'on trouve dans les scenes centrees sur les enfants, et qui vient renforcer l'impression que ceux-ci vivent dans une bulle, un monde different de celui des adultes, dont ces derniers ne possedent pas la clef.
Mais, apres nous avoir presentes les enfants comme innocents et victimes des adultes, Nomura va nous surprendre a nouveau, en inversant les roles. Le plus ages des trois va progressivement refuser sa condition de victime en faisant preuve de ressources insouponnees. Un face a face avec le pere, melant tendresse et mefiance, va alors s'installer sans que l'on ne sache jamais comment interpreter l'attitude du jeune gar: innocence ou machiavelisme.
Cette reaction de l'enfance, ce desir de prendre en charge son destin, de ne plus etre soumis aux adultes, est la seule touche d'optimisme du film. Nomura place ses espoirsen ce jeune garon, tandis qu'il nous presente les adultes comme egoistes, cruels, mauvais, calculateurs, soit par orgueil (l'epouse bafouee) soit par lachete (le mari). En effet, ce dernier aime sincerement ses enfants, et malgre cela, totalement soumis a sa femme, il va commettre l'irreparable. Loin de lui accorder des circonstances attenuantes, cela ne rend son geste que plus meprisable.
L'espoir place en l'enfant est cependant ephemere, puisquecelui-ci va inevitablement devenir adulte (si si, c'est comme a, c'est la nature), et en grandissant, etre corrompu par le monde qui l'entoure. La scene ou le pere raconte comment il a lui-meme ete victime des agissements de son oncleest a ce titre tres explicite. L'adulte et l'enfant nous apparaissant a ce moment comme une meme personne, a deux moment de sa vie, l'une encore innocente (ou qui l'a ete) l'autre corrompue (ou qui va le devenir).
Le pessimisme de Nomura est renforce lors de la derniere partie du film: une escapade du pere et de son fils en bord de mer. Le but initial de celle-ci est de se debarrasser du petit, mais le spectateur, trompe par ce changement de decor (on quitte la ville, l'imprimerie etroite et la canicule pour de vastes paysages de littoral battu par les vents) et par la journee idyllique que passe les deux personnages, va se prendre a croire que le mari va reussir a se defaire de l'influence de sa femme, et epargner l'enfant. Sa tentative d'acte meurtrier, finalement inevitable au regard de ce qui precede, n'en est que plus choquante.
Le film se clot sur une scene dechirante ou l'enfant, ayant survecu, affirme a la police que l'homme qu'il a en face de lui n'est pas son pere. Le regard dur et determine du garon contraste avec celui, implorant et charge de remords, du pere. Cet acte du fils peut etre interprete de plusieurs faons. En reniant son pere, on peut penser qu'il se libere de la menace que represente celui-ci, ce qui peut laisser esperer qu'il va pouvoir vivre une vie meilleure. On peut aussi y voir une punition qu'il inflige a celui-ci pour le traitement qu'il lui a reserve. Mais on peut egalement y voir une faon d'epargner son pere, puisque en se defaisant de lui, il apporte une solution au probleme que lui meme representait.
Quoiqu'il en soitce final est a nouveau trompeur. Certes, l'enfant se libere de la menace des adultes (pour un temps), mais pour se faire, il est oblige de prendre une decision cruelle, difficile et irremediable. En bref, le genre de decision qui vous fait faire un pas de plus vers l'age adulte...et l'on a vu que Nomura ne tenait pas ce monde en haute estime.
L'ete du demon est donc un film a la fois dur et emouvant, ainsi qu'une magnifique description de l'enfance, quand bien meme celle-ci adopte un point de vue tres pessimiste. Nomura choisit des le debut un traitement surprenant du sujet, et joue avec son spectateur en effectuant des retournements de situation, ou en lui laissant l'espoir d'un retournement de situation. Cet espoir se retrouvera systematiquement trahi, rendant le message du film encore plus douloureux a accepter.
Oh, j'oubliais, est adapte d'un roman de Seicho Matsumoto, souvent qualifie de , et dont Yoshitaro Nomura fut en quelque sorte l'adaptateur officiel, puisqu'ils ont collabore ensemble sur huit films. Et parmi ces huit films, on trouveLe vase de sable (Suna no utsuwa, 1974) dont j'essaierai de parler bientot. Si c'est pas de la transition a...
Edit: Coincidence, je poste cet article au moment ou le cycle cinema japonais lance par Wildgrounds bat son plein! Merci donc a Michael d'avoir ajoute ma modeste contribution a tous ces passionants articles!
Plus d'infos sur le cycle ici: http://wildgrounds.com/